Orígenes OGP Puebla

Chico & Rita

2011-12-17T10:05:00.000-08:00

Chico & Rita

Una película de Fernando Trueba & Javier Mariscal

El director Fernando Trueba y el diseñador Javier Mariscal se unen en Chico & Rita para contar una hermosa historia de amor. Unidos por su común amor y admiración por la música y la cultura cubanas, Trueba y Mariscal nos ofrecen una sensual recreación de una época, La Habana y New York en plena efervescencia del jazz.

Sinopsis

En la Cuba de finales de los cuarenta, Chico y Rita inician una apasionada historia de amor. Chico es un joven pianista enamorado del jazz y Rita sueña con ser una gran cantante. Desde la noche que el destino los junta en un baile de La Habana, la vida va uniéndolos y separándolos como a los personajes de un bolero.

Los tres caballeros: Fernando Trueba, Javier Mariscal y Tono Errando

El ganador del Oscar Fernando Trueba (Belle Epoque) conoció al aclamado diseñador y artista Javier Mariscal hace diez años cuando le encargo el cartel y la creación gráfica para su documental sobre el jazz Latino “Calle 54”. A partir de allí, comenzó una fructífera colaboración: Mariscal realiza el interiorismo de la Sala Calle 54 Club en Madrid y diseña toda la imagen gráfica relacionado con la discográfica de Trueba, Calle 54 Records. Dice Mariscal: “Fue como encontrar un nuevo hermano. Muy pronto, nos hicimos íntimos amigos.” La idea de hacer un largometraje de animación surgió de uno de los vídeos, “La Negra Tomasa” del músico cubano Compay Segundo. “Fernando lo vio”, dice Mariscal, “y dijo: Es fantástico, me encanta como ha captado La Habana”. El hermano menor de Mariscal, Tono Errando, es uno de los cuatro hermanos que trabajan en el Estudio Mariscal en Barcelona. Con formación en la música, el cine y la animación, se encarga del lado audiovisual de la empresa y fue la elección lógica a la hora de unir las energías creativas de Trueba y Mariscal. Dice Errando: “Trueba nunca había hecho animación y Mariscal nunca había realizado una película. La cuestión era: ¿cómo podíamos trabajar de manera que pudiésemos aprovechar al máximo sus talentos?

Chico y Rita: La chispa creativa

Desde el principio, estaban entusiasmados con la idea de hacer una película sobre la música que existía en La Habana durante el final de los años cuarenta y cincuenta. “Ese período es precioso por su diseño y arquitectura, y eso lo convierte en parte del mundo de Mariscal”, dice su hermano. “Musicalmente, es una época dorada durante la cual talentos cubanos se unen a talentos anglo-sajones. Esta fusión cambió la música de la época”. A pesar de su conocimiento enciclopédico y su enorme entusiasmo por la música cubana de este período, fue Trueba el que insistió en que esto debería ser el trasfondo y no la historia. Comenta Mariscal: “Yo le dije: esto puede estar muy bien, la historia de los músicos. El contestó que no, que era meramente el contexto y nada más, que deberíamos concentrarnos en que el guión fuese una historia de amor. Es decir un clásico: una chica y un chico. Ella es una cantante y él un pianista. Como un bolero. Los boleros para los latinos son historias de amor terribles del tipo: no volveré a besar porque has besado los labios de otro. Son siempre de este tipo. Trueba continua: “Para mí, Chico & Rita es una canción, una canción romántica, un bolero. Es la historia de dos personas jóvenes en Cuba al final de los años cuarenta y la manera en que la vida les une y separa como en una canción. Es una película llena de música, amor, sensualidad y color”.

Filmado en La Habana

A pesar de que Chico & Rita es un largometraje de animación, los co-directores se pasaron cuatro semanas filmando en La Habana, lo cual resultó inestimable por dos razones. Explica Trueba: “Puedes darle la información óptica sobre los movimientos de los actores a los animadores y también puedes crear movimientos con la cámara más orgánicos, más humanos.” Pero reconoce que se resistía inicialmente. “Pensaba, estoy realizando una película de animación por una vez, no necesito trabajar con actores. Fue Tono el que me convenció de que debía hacerlo y tengo que reconocer que tenía toda la razón”. Añade Errando: “El cuarto día del rodaje, recuerdo que al final de la noche, Fernando me dio un abrazo efusivo y dijo: Vale, ahora entiendo por que estamos haciendo esto. Estamos llevando el alma del guión a la película”.

La colaboración creativa

Tono Errando: “Trueba y Mariscal tienen muchas cosas en común y comparten muchas pasiones. Por otro lado, tienen una manera muy distinta de realizar su trabajo. Trueba es una persona muy racional, muy académica. Piensa mucho antes de tomar una decisión, sabe exactamente por qué lo está haciendo. Mariscal es todo lo contrario, necesita saltar en el aire aunque no tenga idea de dónde vaya a caer. Le encanta ese riesgo de encontrar las cosas, porque siempre anda buscando algo nuevo. No le gusta repetirse. Le encanta romper las reglas. Siempre intenta reinventarse. Los dos entendieron desde el principio cual era el espacio de cada uno. Esto facilitó las cosas. Al principio era respeto, pero a lo largo de este proyecto ese respeto se ha ido transformando en, además, una gran admiración mutua. Disfrutaban viendo lo que hacía el otro”.

Fernando Trueba: “Fue una colaboración muy fluida, porque la función y trabajo de todos estaba bien definida desde el principio. Mariscal iba a hacer todo lo artístico, los dibujos, la creación de los personajes y los entornos, y yo tenía que escribir, realizar los planos, los movimientos de cámara, el guión y la música. Tono tenía que asegurar la realización de todo esto, porque lógicamente alguien tiene que estar al mando. Era una trinidad que funcionó muy bien. Estoy muy contento con su desenlace”.

La música de Chico & Rita

Los directores estaban emocionados de tener la oportunidad de captar un momento concreto en la evolución del jazz. Cuenta Errando: “Fue el momento, cuando nuevos músicos de la talla de Charlie Parker y Dizzy Gillespie surgieron con una nueva clase de música, poco adecuada para el baile, llena de notas, tocado a toda velocidad, una música que hoy llamamos jazz. Y entonces llegaron los cubanos. Gillespie ha dicho muchas veces en entrevistas que hubo un momento que fue clave para él y eso fue cuando tocó con Chano Pozo. Chano fue el primer percusionista que tocó en un conjunto de jazz. Era un nuevo instrumento. Traía todos estos ritmos latinos y africanos que eran muy nuevos para estos músicos y claro, este instrumento cambia el ritmo. El percusionista tiene que tocar de forma distinta”. Añade Trueba: “No tienes que ser un especialista en la historia cubana o el jazz americano para disfrutar de esta película. Pero si conoces el período y la época, igual te encuentras unos regalos añadidos.”

Fernando Trueba y su planteamiento de la banda sonora;

“Esa fue una decisión muy importante. La primera tentación fue coger piezas de Dizzy Gillespie y Charlie Parker y meterlas en la película. Pero yo tenía esta idea de utilizar músicos actuales tocando en el estilo de los músicos originales. Así que me encontré con la necesidad de hacer un casting como si fuese un largometraje normal. Tenía que encontrar un saxo tenor que tocase como Ben Webster tocaba, o un saxo alto que tocase en el estilo de Dizzy Gillespie, y eso era muy interesante desde el punto de vista de un músico. Tener a Freddy Cole que es el hermano de Nat King Cole, fue realmente divertido. Pero la grabación fue tremendamente complicada. Hicimos sesiones en España, Nueva York, Cuba y fue mucho trabajo. Tuvimos dúos y combos y música Big Band, teníamos secciones de cuerdas…”.

Fernando Trueba sobre Javier Mariscal:

“El deseo inicial por hacer esta película proviene de mi amor y admiración por el trabajo de Mariscal. Para mí, Mariscal es un hijo de Picasso. Es Mediterráneo en estado puro. Es muy sensual, muy vital. Su trazo libre, la alegría de su línea, su sentido de color, sus temas –las mujeres, el mar, el cielo, la comida– son elementos esenciales de nuestra vida, de nuestra cultura. Había soñado cómo sería una película ‘pintada’ íntegramente por Mariscal. Hacer juntos Chico & Rita es la materialización de ese sueño”.

Tono Errando sobre Javier Mariscal:

“Mariscal es un artista, está acostumbrado a trabajar siempre de una forma muy libre. Odia tener itinerarios o cualquier cosa que le limite. No quiere tener parámetros nunca. Empieza haciendo diseños en A3 y al final las realiza en A0, o algo más grande. Para él, cada proyecto está vivo hasta el último día, pero el último día nunca llega. Él cree que su arte siempre está vivo”.

Javier Mariscal sobre el poder del cine:

“Uno toca muchas cosas, tomas parte de tu propia vida y 90 minutos de tiempo de la gente y tenéis un diálogo. Esto no suele ser normal. Cuando trabajas con color y luz, con personajes, movimiento y voces, y esos tipos de ritmos y música, se pueden decir muchas cosas”.

ALBA CRESPO

2011-12-17T09:37:00.000-08:00

RETRATANDO INSTANTES DESDE LA PERSPECTIVA DE ALBA CRESPO

Por: Alma Angelina C. Carbajal Guzmán.

Alba Crespo Molto se inicio profesionalmente en 2006, como asistente de fotografía turística, amplió sus horizontes lo que la llevo a tener un particular y marcado interés por la fotografía, ya que para ella es el mejor medio para guardar instantes, para cada una de las personas de quien los vive.

De nacionalidad española Alba lleva por dentro la mítica leyenda del fotógrafo viajero, inspirándose en México por ser un espacio de continua inspiración, colores, sonidos, calidez y su alegría son retratadas desde el click, conquistando la perspectiva de esta profesional de arte fotográfico.

En la actualidad, trabaja como fotógrafa publicitaria y de eventos, y se divierte con la lomografía y la fotografía con smartphones. Asimismo le apasiona el fotoperiodismo y la fotografía antropológica.nos comenta que… la cámara le permite vivir momentos de conocimiento, reflexión y profundidad, ya que sin ella no podría experimentar, ese deseo de alcanzar técnica- momento para poder dedicarle un tiempo especifico, a la construcción de la imagen.

De verdad su opinión acerca de la fotografía, tanto en el cine como en el ámbito fotográfico es de considerarse valiosa e interesante.

Así que se extiende la invitación, a que se den una vuelta por la red, al blog de Alba, que seguro despertara curiosidad sobre la escena fotográfica y se llevaran una sorpresa sobre lo que esta joven promesa de la fotografía tiene que decir.

http://comunicacionalbacrespo.wordpress.com/

Twitter: @albadeamerica

Correo: alba.crespo.molto@gmail.com

LA ILIADA, UNA EPOPEYA IMAGINADA CON SONORIDAD.

2011-12-16T08:58:00.000-08:00

LA ILIADA, UNA EPOPEYA IMAGINADACON SONORIDAD.

La Ilíada, como la conocemos es la epopeya griega escrita por Homero,cuenta la historia de la guerra de Troya; cuando eltroyano Paris secuestra a Helena de Argos; en la invasión de Tebas.

Agamenón toma por esposa a Criseida, hija de un sacerdote deldios Apolo. Por esta ofensa, Apolo castiga a Agamenón y sus soldados, enviándoles toda clase de calamidades. Entonces Aquiles, elmás poderoso de los guerrerosaqueos, le exige a Agamenón que devuelva a Criseida a su padre. Agamenón, furioso, se ve obligado a devolver a la muchacha,pero a cambio le exige a Aquiles que le dé a su esclava, la bella Briseida. Aquiles lo hace,pero en venganza decide que ni él ni sus hombres combatirán más, menguando terriblemente al ejército Alesandro Baricco, quien es un reconocido novelista, además de ser dramaturgo yperiodista; pensó quesería interesante, transmitir la Ilíadapor radio, por esta razón sedio a la tarea de sintetizarla en 21 monólogosteatrales, quitando algunas partes innecesarias, en este caso lasintervenciones de los dioses, obteniendo como resultado una versión contundente, de una actualidad pasmosa.

Este año la puesta en escena corre a cargo de la dirección de Sergio Zurita, en una lectura públicaen 6 noches de los 17 capítulos de la Ilíada.El monologo que llama más laatención es sin duda el de Helena, ya que es ahídonde se atrapa por completo la atención delespectador, por el conflicto que tiene este personaje.

La obra mantiene el formato original de Baricco, ya que es unapieza auditiva, más que visual. Además lacomposición fue hecha con un ritmo y duracióndiferentes, para el públicocontemporáneo; lo cual te transporta al instante mismo de la acción, el drama, de esta míticatragedia griega.

En el elenco se destaca a:

Sophie Alexander-Katz (Helena)

Juan Carlos Colombo (Néstor)

Andrés Montiel (Héctor)

Leonora Cohen, (Andrómaca)

Música en vivo y en el papel del Aedo (juglar griego) corre a cargode Jaime López. En Escenografía eIluminación: Gabriel Pascal.

No duden en asistir a esta nueva versión delescritor italiano, ya que es un ejercicio auditivo que seguramente le hará descubrir cosas que no imaginaba con tan solo verlas; el encantoestá en el sonido.

Por: Alma Angelina C. Carbajal Guzmán.

Infierno Grande

2011-12-16T08:09:00.000-08:00

Infierno Grande

Basadaen un hecho real, donde hace unos 20 años por una razón no muy clara, un grupode enfermos mentales del hospital siquiátrico fueron dejados a la deriva, sinalimentos ni agua en el desierto de San Diego de Alcalá.

Deeste grupo la mayoría murió después de caminar sin alguna guía que losregresara a cualquier contacto con la "civilización" Unospocos sobrevivieron a este hecho profundamente lamentable o tal vezlamentablemente humano.

Personajesreales como Altagracia que murió en este acto o el Sanforizado que aún vive ypara colmo de su suerte en el mismo hospital siquiátrico del cual fue sacado enesa ocasión, son retomados en esta historia.

Elcortometraje "Infierno grande" fue parte del esfuerzo y apoyo másimportante que haya realizado el gobierno de Chihuahua al cine del estado a lafecha. 2006 fue el año de su realización como continuación práctica a variostalleres otorgados y conformó parte de un proyecto para ir sentando las basesde una industria cinematográfica que a cinco años de distancia cuenta con menoselementos hoy en día.

2006fue un año completo para el cine en Chihuahua. Se logró obtener un apoyofinanciero que en términos de la industria es pequeño, pero para nuestro estadofue felizmente grande. Se impartieron talleres, Tita Lombardo impartió aquí suprimer taller de producción, lo cual llama la atención dado que ahora losimparte por diferentes ciudades del globo.

Perocomo es humana costumbre, en cuanto este proyecto comenzó a funcionar llamó laatención de muchos y siendo un reflejo de la historia de "InfiernoGrande" fue politizado y enviado a que se perdiera en el desierto. Quesobreviviera como fuera. Así como en la realidad y en su ficción, la mayorparte nunca más regresó.

Así,el camino de "Infierno Grande" en festivales de cine fue muy breve yni que decir de mayor distribución. Ha estado llenándose de ese polvo eterno denuestra pradera, hasta ahora, que recibe una mano para desenpolvarlo un poco.Un gran, gran agradecimiento a Arturo Tay por esta oportunidad.

Esperoque esta propuesta para capacitarnos les capte su atención.

Por: Octavio Gasca

Museográfica

2011-12-15T20:45:00.000-08:00

Museográfica,

un espacio alternativo paralas artes

en Tabasco y México.

.Museográfica, es una empresa de producción ycomercialización de proyectos museográficos y servicios culturales, todo esto afavor a la creación de las artes visuales.

Este desarrollo cultural, realizadesde la planeación hasta el montaje y producción del proyecto. Integrandistintas formas de arte entre ellas están: la danza, el teatro y elperformance. La difusión es parte importante de Museográfica ya que da aconocer las actividades que llevan a cabo en prensa, radio, televisión, carteles,internet, etc.

La joventalentosa de las artes plásticas, Sara Alicia Priego funge como directora acargo de esta asociación, además de haber colaborado en la promocióndifusión de las artes, ha generado unavisión muy particular entre el lente y lo que se quiere captar. Igualmente a expuesto en varias galerías, entre sus presentaciones se encuentran: Sensaciones, Una mirada al deporte y la exposición XV Años de Enfocarte en la Galería ElJaguar Despertado (2010).

Museográfica ofrece los servicios de: Museografía, Museología, Curaduría, Fotografía,Promoción y desarrollo, Diseño de interiores, Montaje de exposiciones y detodas ellas se desprende un estilo propio, que el solicitante traerá en mentepara concretar ese boceto y concretar el éxito el día del evento.

Para mayores informes:

Lic. Sara Alicia Priego

Director General

Móvil: 993.311.20.00

993.318.26.82

E-mail: museografica@hotmail.com

Facebook: museografica desarrollo cultural

Twitter: @MuseograficaDC

Por: Alma Angelina C. Carbajal Guzmán

Abril Mayett.

2011-12-15T20:05:00.000-08:00

Abril Mayett.

Abril cuenta ésta anécdota curiosa: “… A muy tierna edad mi mamá mellevó a un concierto en la Sala Nezahualcóyotl del Centro CulturalUniversitario, al finalizar el concierto me acerqué al escenario, dice mi mamáque apenas daba mis primeros pasos. Toqué con mis manos el escenario y ella corrió hacia mí y me ayudó asubir. Dice que estuve ahí largo tiempo…” Abril nació y creció en Puebla, hijade una familia chilanga, cuyos padres eran amantes de la lectura y la ciencia.Asistió al Colegio Humboldt y fue ahí donde inició una pasión peculiar: contarcuentos utilizando las ropas que había en un baúl del salón. Inició su formación como actriz profesional alos 13 años y a los 17 obtuvo su primer reconocimiento como Mejor Actriz. Se graduó con Mención Honorífica de laEscuela Nacional de Arte Teatral de Bellas Artes. Como profesional, se haespecializado en Teatro Clásico (Siglo de Oro Español, Isabelino y Francés) por la convicción de quelos clásicos aportan a la actoralidad nociones técnicas invaluables y tangiblespara otros estilos de representación. Así mismo, continuó sus estudios en técnicasde movimiento corporal: acrobacia aérea y de piso, malabares, cuerda tensa ydanza contemporánea. Es ejecutante de piano, percusiones y flauta. Desde hace 5años, tiene bajo su cargo el Taller de Teatro de la SEMARNAT (Secretaría delMedio Ambiente y Recursos Naturales) en donde ha podido formarse como directoray docente teatral, trabajando con burócratas-actores, con quienes ha cosechadoen 3 ocasiones el Primer Lugar Nacional en el concurso que cada año organizaésta secretaría. Combinado con ésta actividad, Abril ha participado en más de30 puesta en escena: Producciones de Teatro Comercial, Montajes Independientesde dirección y dramaturgia propias y Montajes Institucionales para laCoordinación Nacional de Teatro, Teatro UNAM y la Compañía Estatal de Puebla.Ha impartido cursos de Teatro Clásico y Verso para la Universidad de Delawareen Madrid, España y en Newark, EUA.

En teatro, ha sido dirigida por maestros como Raúl Zermeño, FernandoMartinez Monroy, Mercedes de la Cruz, José Solé, Martín Acosta, entre otros. Encine, ha participado en cortometrajes y en la película “Hidalgo, la historiajamás contada” dirigida por Antonio Serrano.

Ha tenido el privilegio de actuar en escenarios como El Palacio deBellas Artes, El Auditorio Nacional, el Teatro Julio Castillo, El TeatroHelénico y el Corral de Comedias de Almagro, en España.

Durante el 2010, tuvo a su cargo la conducción titular del programa de televisión:“Capital 21”.En cine, protagonizó la película: “Chantolo” dirigida por Juan José Gámez. Enteatro, participó en “9 días de guerra en Facebook” de Luis Mario Moncada;también protagonizó: “La creación del mundo” de Lope de Vega, ambas obras dirigidaspor Martín Acosta. Actualmente dirige 4 puestas en escena: “Por qué los hombresaman a las cabronas” en el Teatro Poliforum, “Las Cosas Simples” de HéctorMendoza, para la Universidad de Londres, en donde imparte la materia deActuación. Es beneficiaria del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes en lacategoría Jóvenes Creadores, beca con la cual produce y dirige “El Caballero deOlmedo” de Lope de Vega, en el Corral de Comedias de Tecali, Puebla. Sostiene latercera temporada de la puesta en escena “MH”, espectáculo clown que actúa ydirige en el Centro Nacional de las Artes. También funge como directora deProducciones Shake & Falstaff, organismo especializado en producirproyectos artísticos. Como actriz, participa en “La máquina de Esquilo”, producciónde la Coordinación Nacional de Teatro, dirigida por Alberto Lomnitz. Tiene a sucargo la dirección del Primer Festival de Teatro Frente al Mar en LázaroCárdenas, Michoacán. Ha actuado al lado de Demián Bichir, Ana de la Reguera,Cecilia Suárez, Miguel Rodarte, Juan Ignacio Aranda, Gerardo Trejoluna,Carolina Politti, Maya Zapata, Carmen Mastache, entre otros. Y ha dirigido actores como: Ingrid Martz,Dalilah Polanco, José Carlos Femat, Fernando Villa, Sonia Franco y RaúlVillegas.

Una larga vida en los escenarios, es el deseo y la motivación de éstajoven actriz, quien a sus 26 años, aspira a consolidarse en las artesescénicas.

Datos decontacto:

Correo: abrilmayett@gmail.com

Facebook:Abril Mayett

Twitter:@AbrilMayett

Cine para imaginar

2011-12-15T19:19:00.000-08:00

Cine para imaginar

Por José Rubén Hernández Torres

Un grupo de jóvenes poblanos, inspirados porJorge Lanzagorta, han desarrollado en fechas recientes una nueva forma de verpelículas en México a la que llaman Cine para imaginar. Jorge Lanzagorta ,alumno de la Licenciatura en Comunicación en la Universidad IberoamericanaPuebla, inició éste proyecto. Este estudiante, quien es débil visual, buscabauna forma de poder disfrutar el cine, lo que lo llevó a descubrir eltiflocinema, también conocido como cine para ciegos.

Esta modalidad del filme ha avanzadoexitosamente en países como Argentina y España. En México éstos jóvenes son losprimeros en realizar este experimento.

El Cine para imaginar, como ellos lo llamaron,utiliza un sistema de audiodescripciones que ayudan a imaginar las escenas enlas que el audio y los diálogos no son suficientes para comprender la historia.

Aunque apenas inician a adaptar cortometrajes ybuscar espacios en universidades y foros para presentarse, tienen planes parallevar este experimento hasta sus últimas consecuencias. Inclusive sueñan conque todas las películas mexicanas que se distribuyan en DVD tengan, en lasopciones de audio, la posibilidad de escuchar el filme con audiodescripción,para que el cine de este país pueda ser disfrutado por todos.

Por un Amor.

2011-12-02T08:53:00.001-08:00

Por un Amor.

Por: Alma Angelina. C. Carbajal Guzmán.

Por un Amor es un cortometraje de realizaciónpoblana, escrito, dirigido y producidopor el cineasta Arturo Tay Banderas, el cual retrata durante 4:30 minutos latemática del amor contra la muerte.

La historia es leve y fácil de digerir ya que secuentan con muchos elementos, durante las escenas, además de lugaresrepresentativos en la ciudad de Puebla como es la catedral y los portales en elzócalo.

La fotografía así como el desplazamiento de lasecuencia de imágenes está muy bien cuidada, por lo que el espectador seinteresa en el cortometraje y no solo por eso, sino también por la cargamusical, en este caso de estilo ranchero, dándole una personificación desentimiento en cuanto a la trágica historia de estos dos personajes.

Losactores que colaboraron en este film, fueron profesionales que se destacaronpor imprimir la verdadera esencia de lo que se quería llevar a cabo, unatemplanza entre el amor y la muerte, estas fuerzas contrarias, pero igual depoderosas, luchan en un constante juego de la vida, lo que nos transmite algopor completo conocido, dando como resultado que nos identifiquemos de inmediatocon la cronología de los eventos.

Detodas las magnificas actuaciones, la quemas llamo la atención fue la del actor poblano Benito la Valle (1921-2006) , quien tuvo una leve interpretación, la cual dio un golpe decontundencia absoluta al significado del cortometraje.

Enverdad vale el gusto, ver esta propuesta, muy recomendada, para todo el públicoe indudablemente genial, con un estilomuy original desde la perspectiva del director Arturo Tay.

Porun Amor

(tAbAFILMS / HDV / Experimental. / BN / 2010 / 4:30 min. / Puebla - México)

Director/ Escritor / Productor: Arturo Antonio Tay Balderas

Productor: AlfonsoMeléndez

Directorde Fotografía: Giovanni Gómez Tagle

Edición:AlejandroAguirre Tanús

ProducciónEjecutiva:tAbAFILMS

Direcciónde Arte / Maquillaje / Vestuario: Gerardo Leiva & Karla IsabelLópez

Asistentede Dirección: Javier R. De León (Choche)

Asistentede Producción: Otto Copeland

FotoFija: ArturoRosales

Makingof: RaquelMosqueda

DiseñoGráfico:Gustavo Palma Castro

Reparto:

Adriana Del Río

Rafael Amaro

Gustavo Sánchez

Gonzalo Magaña

Y la participación especial de:

Elvira Ruiz

Benito Lavalle

Sinopsis:

Un hombre juega unpartido de ajedrez con la muerte, por que busca regresar a la vida, a ver a suamada.

CELuloide 2011

2011-12-01T19:32:00.001-08:00

Este Sábado vamos a presentar la muestra CELuloide 2011 en SINEclub (Puebla) - los queremos invitar, pues vamos a anunciar a los ganadores!!!

LA REVOLUCIÓN, ORÍGENES NOVIEMBRE #30

2011-11-14T10:35:00.001-08:00

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LAREVOLUCIÓN,

NOCONMEMORA A VALIENTES, NOS RECUERDA QUE SOMOS MEXICANOS LIBRES

“Quieromorir siendo esclavo de los principios, no de los hombres”

EmilianoZapata.

Por:Alma Angelina C. Carbajal Guzman.

Mucho se ha dicho,debatido y criticado acerca de la Revolución en México. El levantamiento enarmas del pueblo, por la indignación yla falta de un gobierno equilibrado eneste país, ha sido desde laIndependencia, una serie de versiones enque cada autor tiene como único fin, la libertad y la igualdad para todos ycada uno de los mexicanos.

La historia muchoha comentado sobre los diferentes genocidios, sin embargo se ha omitido elcapítulo negro que sucediera años antes del surgimiento de la revolución; elexterminio de los indios yaquis de Sonora. Este agravio lo maquinaban las clases altascon el amparo y apoyo del General Díaz, para despojar a este grupo de sustierras, desintegrando familias, arrancando pequeños del regazo de su madre,sólo por la codicia y el hambre de poder.

La esclavitud que creíanmuchos extranjeros había sido erradicada en México, seguía impartiendo latigazos, penuria, destierro. Las haciendas con sus tiendas de raya eran elinstrumento con el que gran parte de la población era tratada como mula decarga, siendo tratadas como monedas de cambio, en el que su valor residía en sufuerza de trabajo y no como el de individuos. Escapar era muerte segura, preferían morir en el infierno a manos de esos demoniosporque entre cada azote a contacto con la piel se los remarcaban como un credoa base de sangre y sufrimiento.

Los gritos de angustia, desesperación einconformidad, llegaron a una sola conclusión: revelarse y hacer valer elderecho a vivir, con libertad, dignidad y paz. Si es bien sabido que durante elgobierno de Díaz se incremento el desarrollo de México a ojos del mundo, fue a causa de niños sinhogar y por el abuso de su mano sobre los más pobres. Así se edificó nuestropaís en ese tiempo, promoviendo el nopasa nada a base de llanto, muerte y bajo el dominio del poder militar comoprimera ley.

Hubo variosmovimientos todos a favor de la libertad, como primer lema; pero quizá lafigura más representativa de esa época fue, “el caudillo del sur”. Emiliano Zapata lucho incansablemente a favorde los campesinos “la tierra es de quien la trabaja”, esa frase así como muchasotras dieron la vuelta al hemisferio cambiando perspectivas y sembrando en laconciencia fértil de las nuevas generaciones, la lucha por un bien común: paz,justicia y que todos somos iguales y tenemos los mismosderechos.

Este apóstol de larevolución nos recuerda, que como mexicanos tenemos derecho a trabajar en estatierra, que nos engendró y nos dio unaidentidad única ante el mundo entero; comoverdaderos revolucionarios luchando todos los días de nuestra vida, por cada uno de nuestros ideales. Este20 de noviembre, recuerda un poco a aquellos mexicanos que también pensaban como tú, en tener un Méxicocomo ningún otro, soberano y justo.

Aidé Gutiérrez

2011-11-14T10:19:00.001-08:00

¡ENFOQUE, LUZ, FLASH!

Desde la perspectiva de la fotógrafa Aidé Gutiérrez

"No se trata solamente de hacerfotos excepcionales.

Se trata de narrar la historia másimportante; la tuya"

Por: Alma Angelina C. CarbajalGuzmán.

Aidé Gutiérrez nació en la Perla de Occidente, pero relativamente se críoen el Estado de México, donde actualmente radica. Su actitud entusiasta ycuriosidad la llevaron a ver el lado bueno de las cosas, además de que suspadres la apoyaron para darle un aliento mayor a la inspiración; tiene unespíritu nostálgico, romántico que hace que cada día que pasa sea toda unaexperiencia, tanto en el arte como en la vida.

Además de ser una mujer sensible,está feliz de ser una madre ejemplar. Le encanta leer, por lo que es una lectora asidua, puessiempre disfruta de un buen cuento, unode sus relatos favoritos es “El principito”. El proceso creativo, tal como noscomenta la artista, lo realiza “Al abrir los ojos”, es ahí donde siempreencuentra una maravillosa fotografía, captando muchísimas historias detrás deuna imagen.

A muy temprana edad descubrió las sensaciones del ser humano, comenzandocon la apreciación de la imagen; hastavisualizarla desde la propia perspectiva. La cámara le ayuda a transmitir unsentimiento; esta pasión conjunta con laimaginación y lo que hay a su alrededor, le da la vía para crear, partiendo de ángulos, colores paisajes, gente y hasta comida, en fin, todo.

Aidé, orgullosa mujer mexicana, antetodo fotógrafa, está convencida de que cuando haces lo que amas, de ningún modoserás defraudado, pues compones con el corazón.

“LA ASAMBLEA DE LAS MUJERES”

2011-11-14T09:59:00.001-08:00

“LA ASAMBLEA DE LAS MUJERES” DE ARISTOFANES A LA INTERPRETACION POBLANA.

Por: Alma Angelina C. Carbajal Guzmán.

Fotgrafía: Alejandra Pérez Alva

Esta sátira sobre la idea de la propiedad comunal, en la que hace unareducción al absurdo concepto de redistribución de la riqueza. No hay queolvidar que es una comedia y que el vehículo de expresión fundamental es laparodia.

La contemporánea puesta en escena, de la obra La asamblea de las Mujeres,es una visión completamente diferente a la de Aristofanes, añadiendo un estilomuy fluido y gracioso. La confrontación eterna entre géneros es el tema sobreel que la trama se teje, en este caso las mujeres luchan por adueñarse delpoder para hacer a un lado a los hombres quienes gobiernan la ciudad.

La protagonista Praxagora es quien emerge en la historia como fundadora delmovimiento, dándole un enfoque distinto de lo que puede ser en cuestión elfeminismo.

Esta obra no solo te hace reír, sino que te hace ver otrascosas, como es, la fuerte crítica que hay en el libro sobre la guerra. Tambiénse nos hace ver, el sentimiento solidario de Aristofanes ya que une a todas lasmujeres de todos los estados, por el mismo problema. Cabe también la crítica, alos vicios de la sociedad, como es en este caso el sexo.

Este clásico de la literatura griega, está conformado por la CompañíaTitular de Teatro del CCU de la BUAP, iniciando la segunda temporada, los días: “3 de octubre, 6 y 19 de noviembre y 4 y 18 de diciembre, en dos funciones de17:00 y 19:00; en el Teatro del CCU de la BUAP.

FOTOTEATRO

Por: Adriana Spota.

Fotgrafía: Alejandra Pérez Alva

Una fotografía que nogenera emociones, es un testigo de nada. Para que sea buena, una toma, debeademás de cumplir con ciertas características técnicas, debe provocar ademásvibración en el ser. La fotografía de guerra por ejemplo, captura las imágenesde sucesos cargados de dramatismo, por lo que es difícil evitar que conmueva.Aún cuando no sea la mejor lograda en términos técnicos, tiene la gran virtudde establecer un diálogo entre el ojo que la toma y el corazón de quien la ve.

Así como lafotografía de guerra transmite la no ficción de manera dramática, el género dela fotografía de teatro, cuya materia es la ficción dramática, está obligado atransmitir la carga emocional que es el fin mismo de la obra.

Sin duda se puedeobtener una buena foto de un evento llano y sencillo, siempre que capture laesencia de dicho evento, o genere vibración en el espectador. De igual manera,aunque la fotografía se tome de una obra que no es grandiosa, tendrá valor sicapta los momentos claves de la corporalidad expresiva. No se requiere que laobra sea buena o siquiera el actor. La magia de la fotografía esta en el ojo dequien la toma.

El ojo agudo deAlejandra Pérez Alva, logra esto. Capturar el aquí y el ahora de la obrateatral dirigida y escrita por JuanCarlos Vives, “La Asamblea de las Mujeres”, versión libre de la conocida obrade Aristófanes.

Los momentos captadosen este ejercicio escénico, están llenos de color. Se ilumina el escenario y lafoto explota en color. El escenario se obscurece y la foto arranca de laoscuridad los colores vivos del vestuario. Llaman la atención las expresionesde los personajes, que nos hablan, no solo de lo que está sucediendo en latrama, sino de lo que ocurre en el fuero interno de los personajes. La imagen,obligada a congelar el movimiento, paradójicamente le da continuidad y fluidez.

Ver las fotos de Alejandra Perez Alva, es vercon justicia el trabajo serio de Juan Carlos Vives, y es también apreciar loque es capaz una buena fotógrafa de añadir, a lo que atestigua, para convertir sus tomas en una obra de artepor sí misma.

DE DÍA Y DE NOCHE

2011-11-11T09:44:00.001-08:00

DE DÍA Y DE NOCHE

por Alejandro Molina.

"Creoque he aprendido a utilizar los recursos y hacer buenas alianzas estratégicascon productores."

“La idea surgió desde hace 9 o 10 años y tocaba eltema del segundo piso, de la sobrepoblación, del tránsito. Pero la premisa dela película empieza a tomar forma a partir de una nota del periódico y elplanteamiento del jefe de gobierno del D.F. que proponía que los camiones decarga sólo pudieran transitar durante la noche.

De ahí viene la tesis de ¿qué pasaría en un mundodonde el trabajo, por la necesitad de productividad de un país, dividiera losturnos de vida para los habitantes: unos trabajan de noche y otros de día?

Mi película no especifica ni fecha nisitio, pero se supone que es México en un posible futuro donde propongo que hayuna cúpula autoritaria que ha cambiado el pensamiento, la ética y la moral atal grado que se han difuminado todas las emociones y sentimientos humanos, yel principio autómata se basa en la productividad de los bienes para toda lasociedad. De aquí surge el drama donde se encuentran dos personas que viven endistintos turnos de vida, pero por azares del destino se ven involucrados conuna niña que cambia de manos. Manejo el thriller y el suspenso para lograr quelos protagonistas se encuentren con un grupo rebelde que quiere cambiar laenzima que controla el despertar de la gente. Ahí aparece la historia de amor.Porque sí, es una historia de amor que presenta una visión del futuro sobre unasociedad muy contenida."

Notasdel Director

En unmundo apocalíptico, de emociones humanas sometidas bajo un control cupular, “DeDía y de Noche” plantea la posibilidad de sobrevivir a través de la entrega yel amor.

Lapelícula nace a partir de la situación en la que se encuentra nuestro país desdehace ya varias décadas; la sobrepoblación, el destino de recursos, lainseguridad, el sobre calentamiento ambiental, o el desempleo, crean unaprofunda desesperanza en las personas.

En estecontexto, y de entre varias anécdotas rescatamos una: Hace muchos años existióun planteamiento político, que sugería que los transportes de carga solopudieran hacer sus labores durante la noche. Entonces surgieron las preguntas:¿Qué pasaría si la sociedad fuera dividida en dos turnos de vida?, ¿cómoexistirían (divididos) los habitantes del día y los habitantes de la noche?,¿es posible crear una sociedad así con el fin de hacer mas productiva a lasociedad?.

En “DeDía y de Noche” los personajes principales se entregan a una fuga donde laúnica vía para encontrar la felicidad es ir en contra de todo lo establecidopor la cúpula y el poder.

“De Día y de Noche” es ante todo unahistoria de amor donde lo complejo y lo sencillo, el bien y el mal, el día y lanoche, y las dualidades que acompañan nuestro drama cotidiano, expresan sumutua dependencia, su necesidad del otro, de lo otro, un llamado más a recordarque es posible vivir y luchar, por un mundo mejor.

“De Día yde Noche” es también la conclusión de un ciclo. Es proyecto delineado enCiencia Ficción, de un equipo comprometido con el cine, con el arte y con lavida.

SINOPSIS

Cuando lasobrepoblación del planeta imposibilitó la convivencia, el Gobierno decidiódividir a la ciudadanía a través de una enzima implantada en el ADN de laspersonas, para que sus cuerpos fueran regulados por la luz solar y la oscuridadde la noche, convirtiéndolos en habitantes del día a unos y de la noche aotros.

FICHA TÉCNICA

Nombre de la producción: De Día y de Noche

Tipo de producción: Largometraje

Año de producción: 2010

País: México

Duración: 90 mins

Género: Ciencia Ficción

Idioma: Español

Formato: 35 mm / Color

Dirección: Alejandro Molina

Producción: Roberto Garza Angulo, Jaime Romandía

Guión: Alejandro Molina, Roberto Garza Angulo

Fotografía: Germán Lammers

Edición: Pedro Gómez García

Sonido: Norman Serna, Yuri Laguna

Formato de audio: THX / Dolby 5.1

Diseño sonoro: Sergio Díaz

Música: Jóhann Jóhannsson

Dirección de arte: Édgar Orlaineta, Diego Graf.

Compañías productoras: Arte 7, Cadereyta Films, FOPROCINE, EFICINE 226

Elenco: Sandra Echeverría, Manuel Balbi, Gala Montes de Oca,Fernando Becerril, Juan Carlos Colombo, Ari Brickman, Andrea Damián.

Labios Rojos

2011-11-10T22:45:00.001-08:00

Labios Rojos es una comedia romántica con tintes sexuales que seremite a las reglas básicas de una buena comedia desituación, en el más internacional de los sentidos: una comedia ágil, con escenas breves ycontundentes, cuya fortaleza se encuentra en lo humano de las situaciones y no en unaconcatenación de chistes aislados. Un gran elenco multiestelar y espectacular manufactura deprimer nivel complementan la propuesta fílmica de Labios Rojos convirtiéndola en unapelícula sumamente disfrutable que se apega a las convenciones del género de manera impecabley que aspira a conectar con un amplio sector del público tanto por su propuesta fresca yuniversal, como por sus valores de producción

SOBRE LA PRODUCCIÓN DE LABIOS ROJOS

Hace algunos años, la casaproductora Cyclus, encabezada por Rafa Lara y Jorge Aguirre, se propuso un gran reto: hacerpelículas mexicanas que respetaran los más altos estándares de calidad internacionales,que fueran capaces de competir en taquilla y en la preferencia del público con cualquierproducción extranjera y que nos mostraran historias humana sin embargo, la aventura nose limitaba a estos parámetros. Los productores estaban ansiosos por explorar los diferentesgéneros cinematográficos, y fue entonces cuando Jorge Aguirre decidió apostarle altalento y a la experiencia de Rafa Lara como guionista, editor y director para encabezar dos cintastotalmente diferentes entre sí, el thriller psicológico “El quinto mandamiento” y la propuestaque hoy llega a las pantallas de cines: la comedia romántica “Labios Rojos”.

Realizada de formatotalmente independiente y sin contar con apoyos gubernamentales o del Artículo 226, el rodaje de“Labios Rojos” duró 10 semanas y se llevó a cabo en la ciudad de México. Para encontrar a los dosactores que le dieran vida a los personajes principales, Lara organizó un extenso casting, a pesarde que desde el inicio del proyecto había tenido en mente a Jorge Salinas y Silvia Navarro.Sin embargo, fiel a su costumbre de dar preferencia al talento histriónico antes que a unnombre reconocido, prefirió analizar cuidadosamente todas sus opciones. Al final delproceso no había duda alguna de que Salinas y Navarro eran los indicados.

De esta misma forma fueronseleccionados uno a uno todos los miembros de este talentoso elenco que incluye tantoveteranos como Fernando Luján y Jesús Ochoa, como a jóvenes talentos que se identificancon el público juvenil, como Diana García, Guillermo Iván y Antonio Merlano, quien fue elprotagonista de la ópera prima de Rafa Lara, “La Milagrosa”. Uno de los aspectos quehace única a esta cinta, es la osadía de llevar una historia de amor un paso más lejos,convirtiéndola además en una experiencia sumamente divertida y emocionante, llena De secuenciasmemorables. Una de las más espectacularesmuestra una persecución de automóviles en pleno periférico capitalino, cuyo resultadoes la destrucción total de 7 coches.

Por si fuera poco, varios agentes de la AFI pertenecientes alGrupo de Operaciones Especiales, estuvieron involucrados en el rodaje de estas escenas, nosolo como asesores, sino también como extras, brindándole a la cinta un realismo sinigual. Los efectos especiales deesta secuencia estuvieron a cargo del experto en la materia Alex Vázquez, quien además decolaborar con Rafa Lara en sus tres películas, ha trabajado en filmes como “Amores Perros”, “ElInfierno” y “Kilómetro 31” entre muchas otras. Gracias al alto nivel de Profesionalismo con quefue rodada esta secuencia, no hubo ningún herido, a pesar del nivel de peligrosidad que implicaba el rodaje de algunasmaniobras.

El resultado final es unasecuencia inolvidable y espectacular como pocas veces hemos visto en el cine mexicano y queresponde totalmente a los estándares de producción a los que acostumbra Rafa Lara, y queya han quedado demostrados en algunas secuencias de la película de guerra que realizó enColombia “La Milagrosa”. Además de ser el guionistay director de “Labios Rojos”, Lara fungió también como Editor, una tarea difícil puesimplicaba tener que eliminar de la versión final algunas escenas, con el objetivo de contar unahistoria cuyo ritmo narrativo e intensidad no se perdieran en el camino.

Por esta razón, y apoyadoen los resultados que arrojaron varios Focus Group que él y Jorge Aguirre realizaron, tomó ladecisión de eliminar una de las secuencias más caras de toda la producción, en la que laactriz Carmen Salinas daba vida a una conductora de Tolk Show.

Filmada en la Arena Méxicoy con más de 500 extras, uno que otro luchador y varias edecanes, la secuencia (que enrealidad era el sueño de uno de los personajes) mostraba a un Jorge Salinas totalmente desnudosiendo juzgado por Carmen Salinas frente a un público enaltecido, al más puro estilo de“Laura en América”.

A pesar de la decisión deeliminar esta parte de la versión final de la cinta para que la historia fuera más ágil y dinámica,la secuencia resultó tan divertida que será incluida en los créditos finales y en la edición deDVD, junto a otras escenas eliminadas. De esta forma, “Labios Rojos” tiene una duración total de93 minutos, y un promedio de 40 segundos por escena. Una de las secuencias queconsiguió abrirse paso a la versión final y que sin duda se convertirá en una de las máscontroversiales de la cinta, es aquella que muestra una orgía entre 50 personas en unas oficinas.Aunque realizarla fue sumamente difícil, tanto el director como el resto del equipo seencargaron de que cada toma fuera realizada con sumo profesionalismo y respeto. De hecho algunosjóvenes que iban como acompañantes de los extras, le pidieron a la producción ser parte de laescena.

Otro de los grandes retosque llevó la realización de esta cinta fue conseguir un balance entre una trama de alto contenidosexual, mostrado de forma directa y sin censura y el buen gusto y la calidad estética, puesmás allá de una historia sobre sexo, es una historia sobre el amor y los valores familiares.Finalmente este objetivo fue alcanzado y la cinta obtuvo clasificación B-15.

“Labios Rojos” es un filmedestinado al público que acude a las salas en busca de una buena historia con la cual sesientan identificados, y que a la vez espera pasar un buen rato, divertirse y regresar a casa con una sonrisa en el rostro.

"La Mancha" cocina española

2011-11-10T15:04:00.001-08:00

La cocina española es mucho más de lo que conocemos; Es por ello que se creo “La Mancha” restaurante un lugar amplio, acogedor y agradable donde disfrutaras la comida gourmet y los platillos especiales que te dejaran un excelente sabor de boca. Pescados, Carnes, Mariscos, Lechazo, Lechon, etc. preparados a la ausansa del buen comer de tierra de campos.

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LAS CRIADAS

2011-11-09T21:40:00.000-08:00

“Quererse en laesclavitud es no quererse, es quererse demasiado”

Por: Amancio Orta.

Fotgrafía: Alejandra Pérez Alva

http://www.facebook.com/lesdomestiques

La obra teatral se escribió en 1947, inspirándose en un suceso real que conmocionó a la opinión pública francesa: Las hermanas Papín asesinaron cruel y brutalmente a la señora Lancelin y a su hija, para quienes trabajaban como empleadas domesticas. Es un clásico del autor francés Jean Genet y está basada en un hecho policial sangriento que conmovió a Francia y motivó a análisis intelectuales y filosóficos. La sordidez del argumento no oculta, sin embargo, la construcción poética que Genet realiza acerca de la siempre vigente relación entre el amo y el esclavo.

En una ceremonia perversa y llena de intriga, las hermanas Clara y Solange representan alternativamente el papel de su Señora. Así sale a flote el amor-odio que sienten hacia ella y por sí mismas, a la vez que expresan aquello que creen que la Señora piensa de sus criadas. "La Señora nos quiere, como quiere a la tapa de su letrina”, expresa una de las hermanas.

Marco Polo Rodríguez y Enrique Escalera, son quienes dan vida a éstas hermanas de una manera por demás extraordinaria, no olvidemos que ambos actores han sido galardonados con premios de mejor actor en diversas ocasiones y esto hace que su desempeño en escena nos deje con un buen sabor de boca. Las intrigas que las hermanas Clara (Marco Polo Rodríguez) y Solange (Enrique Escalera) nos tendrán bien agarrados de la butaca, ya que nos mostrarán a lo largo de éste triller de lo que son capaces dos mentes enfermas.

El director Amancio Orta comenta: “Nos parece en primera instancia que el reto de retomar un clásico del teatro universal, es una buena oportunidad de revalorarlo y enmarcarlo en un contexto contemporáneo, sin que pierda sus valores sociales y culturales fundamentales y acercarlo de un modo más digerible al público, haciendo que éste sea capaz de entenderlo en un lenguaje claro y dinámico, agregándole una combinación de movimiento físico y gesto. Buscamos que el espectador se identifique con las emociones de nuestros personajes y crear un enfrentamiento con su fuero interno. En este caso es presentar las intimidades, las pasiones, el amor y el desamor que se mezclan para dar como resultado la compilación sensorial y sensual de los amores de personas hacinadas en una casa.”

Las hermanas protagonistas, Clara y Solange, personajes misterio y verdaderas almas siamesas, son destacadas por Jean Genet componiendo el engranaje de un proceso ritual, el cual propone en varios niveles una búsqueda desesperada de la identidad. Genet no juega; tampoco se divierte; tampoco intenta divertir. La señora no es la señora; Solange no es Solange: Clara no es Clara, y cualquiera de las tres puede ser una de las otras.

Adoptan sus imposturas, su artificialidad, su elegante maltrato, su distancia y su cuestionable bondad. "Estas criadas son unos monstruos", afirma Genet, "como nosotros mismos cuando soñamos." Siguiendo una indicación del propio autor, en el montaje se propone que los tres personajes femeninos son representados por hombres, potenciando así el juego teatral y alejando la obra de toda clave realista, ya que según Genet no se trata de un mero alegato por la situación del personal doméstico.

Sin lugar a dudas es una gran recomendación para ver teatro profesional poblano, los tres actores son excelentes en sus personajes y muestran claramente que el talento poblano no le pide nada a ninguno de otros lares. La producción, la dirección, escenografía y demás artificios son tan minuciosamente presentados que fácilmente ingresamos a la fantasía que el propio autor hubiera deseado recrear.

“Lo que odio en ti, es lo que veo en mi”.

Obra teatral: “Las Criadas”

Autor: Jean Genet
Dirección: Amancio Orta

Producción Ejecutiva: Victor Rubén
Actúan: Enrique Escalera, Marco Polo Rodríguez y Amancio Orta

Temporada: Todos los Jueves 8:30 pm, Teatro Espacio 1900 (2 oriente 412, Centro, Puebla)

Entrada: $100.00 Adultos y $60.00 Estudiantes, Maestros e INSEN con credencial.

DEL MÁS ALLÁ

2011-11-08T16:52:00.000-08:00

DEL MÁS ALLÁ

Por: José Rubén Hernández Torres.

Fotografía: Javier Rogelio de León

Una vez al año, en el municipio de Huaquechula, en el estado de Puebla, se organiza una fiesta para celebrar el regreso de los muertos al mundo de los vivos.

La celebración se lleva a cabo en los últimos días de octubre y los primeros días de noviembre. Las familias, dependiendo de la situación en las que haya fallecido la persona, colocan en el primer año de su muerte una gran ofrenda para que el espíritu del ser amado regrese al hogar y pueda convivir con su familia.

Estas ofrendas son creadas por artesanos de la región que tradicionalmente, y desde hace más de cuatro generaciones, tienen este oficio que aprenden y enseñan a lo largo de su vida.

Las personas de este municipio, por su estrecha relación con la muerte, han adquirido una nueva perspectiva de la vida. Todos los oficios del lugar, a partir de la mitad de septiembre, se transforman para trabajar en función de la próxima celebración.

La vida, tal cual la comprendemos nosotros, ha sido reinterpretada en Huaquechula. La vida solamente existe en función de la muerte. La muerte es solamente la puerta a una nueva perspectiva de la vida.

En Huaquechula la muerte se recibe tranquilamente, es un paso más. Morir nos ayuda a vivir lo que se tiene que experimentar en El más allá.

Ficha Técnica

Título: Del más allá.

Dirección: José Rubén Hernández Torres

Producción: Paloma Ruiz

Producción Ejecutiva: Arturo Tay

Productor Asociado: Javier Rogelio de León

Guión: José Rubén Hernández Torres

Fotografía: Arturo Tay

País: México

Año: 2011

COMO UNA REYNA

2011-11-08T13:06:00.000-08:00

Como una Reyna…

Por: Victor Rubén
Fotgrafía: Alejandra Pérez Alva

El teatro siempre ha sido un reflejo fiel de la realidad que nos circunda. Los movimientos políticos, sociales y culturales se han visto siempre plasmados en el espejo de la teatralidad. La denuncia social y la resignación a la violencia intrafamiliar como parte de su cotidianeidad, es lo que ahora María relata al público entre risas y llanto en el monólogo "Como una Reyna”, una versión libérrima del actor y director poblano Amancio Orta, que se presenta en el Centro Cultural Espacio 1900 (2 oriente #412, Centro, Puebla, Pue., México) todos los Viernes (a partir del 09 de Septiembre) a las 20:30 horas en una corta temporada.

"Como una Reyna", magníficamente interpretada por la actriz Adriana Spota, bajo la dirección del propio Amancio Orta y la producción ejecutiva de Victor Rubén, narra la historia de una mujer víctima del machismo, marginada y reprimida al extremo de quedar casi nula su autoestima e integridad física, moral y espiritual. Nos irá acercando, a través de pequeñas historias cotidianas, a un tema muy espinoso, tratado desde la comicidad y la ironía, en esta propuesta artística para promover la lucha contra la violencia intrafamiliar.

“Este monólogo, que ha participado en diversos festivales a lo largo y ancho de la República Mexicana, está pensado y hecho para el público adolescente y adulto, y será presentado al respetable en una cortísima temporada en teatro, puesto que se pretende presentar también en bares y centros de espectáculos en diversos puntos del país” – afirmó el director Amancio Orta, al ser cuestionado.

“No pretendemos sino abordar el asunto, como en la vida real. No resulta nada simple, más bien complejo puesto que se trata de una mujer maltratada, sojuzgada sexualmente y que se enfrenta día a día a una delirante situación machista” – reiteró el también director de “Les domestiques” (Las Criadas, de Jean Genet), obra ganadora de la “Beca FOESCAP 2010 a Creadores con trayectoria artística” de la recién extinta Secretaría de Cultura de Puebla.

Así mismo la actriz Adriana Spota, quien interpreta de una manera magistral el personaje protagónico asevera: “El público capta de inmediato la sensación de soledad y el círculo vicioso de la mujer, pero lo más sorprendente radica en la propuesta discursiva y cómica de la mujer, apela a la ironía y a la inteligencia del público para no matarse.” continúa diciendo: “Trata de recuperar sus sentimientos verdaderos y su auténtica sexualidad, hasta entonces insatisfecha, a través de un joven universitario”.

Finalmente, Victor Rubén, productor ejecutivo de la obra, comenta “Es una obra, sencilla y contundente, plantea una problemática social actual, que provoca una tierna comprensión del espectador y pone al desnudo las difíciles relaciones entre hombres y mujeres en la sociedad actual”.

"Como una Reyna", es una sátira social de una mujer que intenta alcanzar sus deseos y mantener vivos sus recuerdos. El personaje es real y existe en nuestra sociedad viviendo en pugna por mantener la dignidad e igualdad en lo social, en lo sexual, en lo laboral y familiar.

"TONAL" eventos sociales

2011-11-08T10:01:00.000-08:00

AMPLIO JARDÍN CON VISTA AL SANTUARIO DE NUESTROS REMEDIOS

CAPACIDAD EN NUESTRA PALAPA PARA 150 PERSONAS

ÁREA DE JARDÍN / ILUMINACIÓN / COCINA

BODAS

XV AÑOS

PRIMERA COMUNIÓN

BANQUETES

COCKTAIL

BAUTIZOS

CUMPLEAÑOS

COFFEE BREAK

2 Oriente No. 607, Col Centro, San Pedro Cholula, Pue.

Tel. (222) 750 13 38 Movil: 2226 62 26 47.

http://origenespuebla.blogspot.com/2011/11/tonal-eventos-sociales.html

ELLA Y EL CANDIDATO

2011-10-31T15:48:00.000-07:00

ABRE TU CORAZÓN

TE INVITA AL PRE-ESTRENO DE LA PELICULA

"ELLA Y EL CANDIDATO"

El próximo 15 de noviembre a las 20 hrs en Cinepolis Angelopolis

Todo lo recaudado será para la educación de los niños

Informes tel: (222) 651 59 55 - www.abretucorazon.org

1er ENCUENTRO ACADÉMICO CINE-UPAEP

2011-10-25T22:10:00.000-07:00

PROGRAMA DEL 1er ENCUENTRO ACADÉMICO CINE-UPAEP

Noviembre 2011. Sala Francisco de Vitoria, campus central UPAEP Licenciatura en Cine y Producción Audiovisual (LCyPA)

Miércoles 16.

10:00-11:00: Registro de últimos asistentes. En paralelo, reunión previa de Consejeros Ponentes.

11:00: INAUGURACIÓN.

11:30-14:30: Xavier Robles [Escritor cinematográfico (autor de Bajo la metralla, Los motivos de Luz y Rojo amanecer, entre otras). Consejero Académico de la LCyPA]. La relación escritor-director en el Cine Mexicano: mi trabajo con Jorge Fons y Felipe Cazals. --Con proyección de secuencias de varios films escritos por el Mtro. Robles--

16:00-20:00: Alfredo Joskowicz [Realizador (El Cambio, Constelaciones, Playa Azul), Académico e Investigador. ExDirector del IMCINE, del CUEC y del CCC. Consejero Académico de la LCyPA]. “El Cambio”: un caso de cine independiente mexicano en condiciones restrictivas. --La ponencia incluye la proyección de “El cambio” (86 minutos)--

Jueves 17.

9:00-12:30: Samuel Larson [Diseñador sonoro y Musicalizador. Ganador del Ariel por Fibra óptica, Vera, Mezcal y En el hoyo. Consejero Académico de la LCyPA]. Mi experiencia con Francisco Athié en cuanto a diseño sonoro y musicalización.

13:00-16:00: Leonardo García Tsao [Crítico fílmico, Académico y Guionista (Intimidad, Ponchada). Consejero Académico de la LCyPA]. Cinéfilos, crítica cinematográfica y tour de Festivales: una mirada desde México y el Cine Mexicano.

17:45-20:30: Screening de cortos de ficción (expresión personal) realizados por alumnos de la LCyPA-UPAEP durante el 4º semestre. --Con presencia de padres de familia, autoridades universitarias, Consejeros Académicos e invitados especiales--

Films: Chicle y pega (Dir: Eda Edna Vázquez Alfaro); Condena perpetua (Dir: Francisco Javier Castañeda Cobián); Desecho (Dir: Luis Javier Pedraza Méndez); Dos cuartos (Dir: Alma Barragán Herrera); El loco y la muerte (Dir: Juan José Naime Quintana); Fermín (Dir: Sergio Castañón Malpica); Luz roja (Dir: Alfredo Acevedo Taja); Mago (Dir: Omar Rivero Sánchez); Máscaras (Dir: Rodrigo González Fernández); Quédate para siempre (Dir: Adrián de Ita Sánchez); ¿Sangre otra vez? (Dir: José Luis Fernández Ojeda).

Viernes 18.

11:00-13:30: EVENTO ESPECIAL POR CONFIRMAR

15:00-18:30: Miguel Lavandeira [Editor (Por si no te vuelvo a ver, La última mirada) y Guionista. Consejero Académico de la LCyPA]. El montaje en los films de Akira Kurosawa.

18:30: ACTO DE CLAUSURA

$500 pesos, comunidad UPAEP (hasta 29 de octubre)
$600 pesos, comunidad UPAEP (después del 29 de octubre)
$700 pesos, público en general

Orígenes Octubre #29

2011-10-14T11:06:00.000-07:00

Open publication - Free publishing - More origenes

Redacción

AlmaAngelina C. Carbajal Guzmán

RebecaFlores y Arturo Rebolledo

Fotografía:

Alejandra Pérez Alva

Javier de León

RebecaFlores y Arturo Rebolledo

Ilustración

Ricardo Vázquez Vázquez

ricardov7930@gmail.com

Corrección de Estilo

AlmaAngelina C. Carbajal Guzmán

http://elcreacionistarevista.blogspot.com/

Diseño Editorial

Adriana Valdez

Abracadabra

http://www.facebook.com/profile.php?id=1212092815

Suplemento Sine

Fernando Trueba

Zenit Comunciación

CINEARTE

2 de octubre

2011-10-14T10:56:00.000-07:00

2 de octubre

El día enque nadie tuvo nombre, pero si una sola voz.

Por: Alma Angelina C. Carbajal Guzmán

ilustrador: Ricardo Vázquez Vázquez

ricardov7930@gmail.com

Estrofa III

HimnoNacional Mexicano

“Antes, patria, que inermes tu hijos

Bajo el yugo su cuello dobleguen

Tus campiñas con sangre se rieguen

Sobre la sangre se estampe su pie.

Y tus templos, palacios y torres

Se derrumben con hórrido estruendo,

Y sus ruinas existan diciendo:

De mil héroes la patria aquí fue.”

El 2 de octubre para los mexicanos significa muchas cosas, perola más importante y la que creo engloba y mueve esta fecha es la libertad de expresión.

Un pequeño malentendido puede desatar una tormenta en vaso conagua, los antecedentes nos hablan del conflicto entre estudiantes depreparatoria, este hecho desencadeno en los dias siguientes un paro de laborespor parte de los estudiantes de la UNAM y del IPN, quienes se enfrentaroncontra el ejército y granaderos; el escenario resultante fue un "¡Únetepueblo!" por parte de los detenidos. Vale la pena dar una remembranza a tantas acciones impartidaspor este movimiento ya que al tratar de alzar la voz exigiendo el dialogo puedeque se pierda el verdadero motivo por el cual exigimos ser escuchados.

Luego de esta “batalla” cientosse sumaron a la causa en varias protestas, entre ellas destaco " La marcha del silencio”; una manifestación en la que más de 250,000 personas; expresaban queel silencio sería “más elocuente que las palabras que acallaron las bayonetas”.El mutismo como herramienta para decir sin voz un hecho contundente o unaqueja, es una demostración muy clara de lo que en mi opinión se defendía enaquel tiempo, mostrando rostros, unión de manos y una integración desentimientos fusionados con la lucha en común, que cada participante llevaba en su interior:“ todos como uno solo”.

Laplaza de las tres culturas cerca de las seis de aquella tarde, vio derrumbarse ese ánimo juvenil que minuto a minuto entre el sonido de laráfaga y los gritos fue mutilado desde la raíz. Únicamente quedo el pánicoreflejado en el llanto de las madres, la sangre mezclada con la de mexicas enuna matanza antigua, pero semejante yesa tragedia que tiene repeticiones en cualquier canal de nuestro país. Ahí nuestros antepasados y quienes nos dieronlibertad fueron testigos de una masacre sin autor; 300, 40, 50, solo son cifras, mayor fue elnúmero de los que cayeron en nuestra conciencia, como hermanos de una sola nación.

Hoy los mexicanos al igual que otras personas que defienden susideales en todo el mundo, recuerdan este movimiento que en contexto representa la lucha social. Este grupoestudiantil se embarca hacia lainmortalidad de nuestra memoria, en unsolo pensamiento: " defender nuestras ideas con las manos en alto,orgullosos de representar a la verdadera libertad de expresión”

Los medios de comunicación muestran nombres, edades,causas, de aquellos héroes caídos,que en su afán de dar a conocer laverdad y comunicar su opinión han sido crucificados; buscando justicia, igualdad y sobre todo que cualquier expresión oral o escrita sea dichacon libertad y sin represalias. Nopodemos vivir con la garganta cerrada, el miedo a los costados y la angustia devorándonos pensamiento y corazón.

Defender nuestros derechos sin apartarnos de la causa verdaderapor la cual luchamos, nos alienta en este día conmemorativo a crear un México sin candados en la lengua siendoesta una labor de todos, si tomamos la tolerancia y el respeto como primer arma

EL BAILE DE LA VICTORIA

2011-10-14T09:42:00.000-07:00

EL BAILE DE LA VICTORIA

SINOPSIS

Con la llegada de lademocracia, el presidente de Chile decreta una amnistía general para todos lospresos sin delitos de sangre.

Entre ellos se encuentran eljoven Ángel Santiago (Abel Ayala) y el veterano Vergara Grey (Ricardo Darín),un famoso ladrón de cajas fuertes.

Sus planes no pueden ser másopuestos. Mientras Vergara Grey sólo quiere recuperar a su familia y cambiar devida, Ángel sueña con vengarse del alcaide de la prisión y dar un gran golpe.

Pero en su camino se cruzala joven Victoria (Miranda Bodenhöfer); las vidas de los tres sufren un cambiototal que les llevará a enfrentarse con un nuevo destino.

NOTAS DELDIRECTOR

No habíaterminado de leer "El baile de la Victoria" y ya la estaba rodandodentro de mi cabeza. Y eso que yo no leo novelas pensando en cine, ni buscandohistorias que adaptar. Creo que lo que más me atrajo fueron, sobre todo, lostres personajes principales. Quería pasar más tiempo con ellos. Me habíanenamorado.

Lo másimportante que tienen en común todas mis películas viene de la necesidad quetengo de amar a los personajes. Nunca he sabido ni he querido hacerpelículas sobre personajes que no me gustan, con los que no establezco unarelación afectiva.

También megustaba mucho la mezcla de géneros, algo que he practicado muy a menudo en mispelículas. Aquí también la tragedia, el humor, el romanticismo, el thriller ¡y hasta el western! coexistían de una formapoética, armónica.

Aunque laacción de la película podría haberse situado en cualquier país que ha salido deuna dictadura, desde el primer momento sentí que debía rodarla en Chile, enSantiago. Quería conservar la geografía del libro de Skármeta. Veía mi películacomo una historia de sentimientos desbocados, profundamente romántica, pero enun escenario real. Quería que los personajes se movieran por la realidad para,poco a poco, ir despegando y echar a volar.

Las primerasversiones del guión las hice con Jonás, mi hijo. Él había escrito yavarios guiones y me daba envidia que hubiera otros por ahí trabajando conél y yo nunca lo hubiese hecho. La química fue perfecta. Él tenía laedad del personaje joven y yo la del personaje maduro. Trabajamos en una granarmonía, con gran entendimiento y nunca discutimos ni nada, lo pasamos muybien.

Después fui aSantiago e hice una nueva versión con Antonio Skármeta, con especialatención a los diálogos, para devolverle el lado chileno a todo loque nosotros hubiéramos podido “castellanizar”. Posteriormentetodavía Jonás y yo hicimos un par de versiones más hasta llegar a ladefinitiva.

Pensé enRicardo Darín desde el principio, desde que estaba leyendo la novela. No sóloera perfecto para el personaje, era también el actor con quien más ganas teníade trabajar. Cuando comenzamos el guión, el rostro de Vergara Grey era el deRicardo. E hice que el personaje fuera un ladrón argentino que sale de unacárcel chilena porque quería hacer un traje a la medida a Ricardo.

Encontrar aÁngel y Victoria fue más complejo. Hice castings en distintos países. A Abel, aquien recordaba de su genial trabajo en "El Polaquito", lo acabéencontrando en casa, pues estaba en San Sebastián viviendo y trabajando. Cuandole vi, supe que había encontrado a Ángel. De hecho, él era más Ángel que lo queestaba escrito en la novela o en el guión. Fue un milagro y no puedo niimaginar la película sin él. Creo que he tenido una suerte tremenda deencontrarlo. Y trabajar con él ha sido un auténtico placer.

El personajede Victoria es el que más ha cambiado con respecto a la novela. Es unatotal recreación, una reinvención, y ello afecta a toda la historia y a losotros personajes, especialmente al de Ángel que es el que más se relaciona conella. Encontrar la "nueva" Victoria era un desafío y mi intuición medecía que debía ser una bailarina.

Y entoncespasó una cosa bastante mágica: antes de empezar el casting, cuando vine aver localizaciones a Chile, pasé por la escuela del Ballet Nacional en elTeatro Municipal. Entre el grupo de bailarinas que estaban ensayando vi alfondo a una cría de unos 16 años. La miré a lo lejos y pensé “esa esVictoria”, pero como eso me parece en general una estupidez, me"olvidé" de ella e hicimos el casting por toda una seriede distintos países. Al final volví aquí e intenté localizar a aquellachica que había visto. Le hice una prueba y vi que, efectivamente, aquellachica que yo había visto, era Victoria, era “mi Victoria”: MirandaBodenhöfer. Y creo que no me he equivocado.

Una de lascosas con las que estoy feliz es con los actores de esta película. Y no sólolos protagonistas. He tenido la suerte de contar con una galería de actoreschilenos de primera clase: desde Julio Jung a Mariana Loyola, pasando porGloria Munchmeyer, Luis Dubó, Cata Saavedra, Catalina Guerra, Luís Gnecco, SergioHernández, Gregory Cohen y Ernesto Malbrán. La escuela de actores chilenos esasombrosa. Trabajar con ellos ha sido un privilegio.

A ellos añadíuna cómplice habitual, Ariadna Gil, el cubano Mario Guerra "Mayito",con quién había disfrutado trabajando en mi proyecto de animación "Chico yRita", y a una auténtica grande de la danza, la brasileña mundial MarciaHaydée.

Desde elprincipio, le pregunté a Antonio si le gustaría hacer el personaje delcrítico Coppeta. Me parecía bonito que lo hiciera él y que, de alguna forma,estuviera, físicamente, en la película. La sorpresa es queno solamente lo ha hecho sino que ¡es muy buen actor! Es un papelpequeñito pero hay que saberlo hacer, darle la expresión, la emoción... Merecuerda a aquellos secundarios del cine americano clásico. Gracias,Antonio.

Fernando Trueba

AUTOR:ANTONIO SKÁRMETA

Escritor chileno nacido enAntofagasta en 1940. Estudió teatro y filosofía. Fue traductor de NormanMailer. Su primera novela, Soñé que lanieve ardía (1975), narra el golpe militar bajo la mirada candorosa de unjoven futbolista. Reside en Argentina y Berlín donde ejerce desde hace quinceaños como profesor de guión cinematográfico. Vuelve a Chile, donde conduce lapremiada serie de tv El show de losLibros. Ha sido profesor invitado en la Universidad de Saint Louis(Missouri).

Con La chica del trombón (2001) obtuvo en Francia el Premio Médicis ala mejor novela en lengua extranjera. Su novela Ardiente paciencia (1985) apareció sucesivamente como guiónradiofónico y cinematográfico, obra teatral y novela. El propio Skármeta ruedala película en Portugal, premiada en los festivales de Huelva y Biarritz.Adaptada y dirigida también por Michael Radford en 1994 y ya con el título de El cartero y Pablo Neruda, la película obtuvo5 nominaciones a los Premios Óscar, obteniendo el de Mejor Banda Sonora.

Con El baile de la Victoria, ganó en 2003 el Premio Planeta. Una historia sobre la amistad, el delito y elamor en el Chile contemporáneo.

NOTAS DEL AUTOR

Fernando Trueba tiene un modo tan preciso comodelicioso para involucrarse en una novela de la cuál le gustaría hacer un film.

Dice que “la ve”.

Esto es exactamente lo que sucedió con “El Baile de laVictoria”.

La leyó y la “vio”.

Con mi experiencia de autor que ha visto algunas de susobras llevadas al cine hoy sé que esto es lo fundamental y maravilloso en unfilm: respetar la visión y –muchas veces – la conmoción que el futuro directorha tenido con tu obra.

De allí que el método de trabajo que propuse paratrabajar en la adaptación es que Fernando y su hijo Jonás escribieran una versión inicial delguión donde se decantara toda laespontaneidad de lo que Fernando “veía” y luego participaría yo en laelaboración de ese guión, no como comisario que está allí para vigilar que el director no se aparte del texto sino paracompletar con una “re-visión” lo que Fernando “veía”.

Así cuando se escribió la primera versión del guión enMadrid yo trabajé la segunda versión en Santiago: pero ya no sobre mi novela,sino sobre el guión de Fernando.

Confieso desde ya que irluego juntos los dos sobre cada escena y diálogo fue una de las experienciasmás hermosas de creación y creciente amistad que me ha regalado la vida. Eneste proceso entendí lo que Trueba quería decir con “ver”: comunica imágenes“completas” donde no falta un concepto de la luz que tendrá la escena, delgesto de los actores, del ángulo de la cámara, y sobre todo, de la música, labendita música que hacía que ambos nos sintiéramos personajes de un film que YAtenía sonido.

En esto Trueba es fantástico y se confirmó al trabajarcon él la admiración que siempre había sentido por sus películas de ficción odocumentales: a su espontaneidad une una cultura cinematográfica tan inmensa,tan en la punta de los dedos y la lengua, que es capaz de hacerte “ver” lo quepiensa hacer con la escena ilustrándotecon referencias a momentos de cientos de películas: “que esto de Billy Wilder,que lo otro de Truffaut, que esto de Sica, etc”.

Es dueño de una múltiple energía y logra de suscolaboradores una rápida adhesión: quien se deja fascinar por el magníficoespectáculo de la vida y su gente, seguro que también es capaz de fascinar alos espectadores.

“El Baile de la Victoria” comienza a rodarse en Chileesta semana. Un invernal Santiago con su cordillera nevada nos contempla yacaso protege. Trueba ha elegido a sus actores con total certeza, dueño de susoberana decisión. Sé que algunos de ellos circulan por la ciudad desde hacedías ya metidos dentro del personaje aun antes de que se empiece a rodar.Cuando el director diga “acción” seguro que se sentirán en casa.

Justo hoy, cuando estoy escribiendo esta líneas, llegael correo con un paquete que contiene la edición en griego de “El Baile de laVictoria”. La coloco en el estante donde guardo mi obra y compruebo que conésta la novela alcanza un total de quince idiomas. Nada especial, dirá usted.Pero sí para mí: justo quince era el número de traducciones que tenía mi obra “El Cartero de Neruda” antes de queMichael Radford hiciera el film.

Antonio Skármeta - Julio 2008

Celuloide 2011.

2011-10-13T09:08:00.000-07:00

Celuloide 2011.

Y el premio es para...

Por: Alma Angelina C. Carbajal Guzmán.

Muchas veces me he preguntado que hay detrás de las singularesfiguras que enmarcan una gala de premiación y quien mejor para contarnos de laesencia simbólica de un galardón que el propio autor (diseñador) que le da parte de su alma durante la creación Campo Santo son un par de diseñadoras textiles, que a través de unsueño en común lograron consolidarse como artistas; la técnica que se presentaen su obra es la del papel mache, lo que les ha permitido explorar diferentestexturas para concebir un estilo propio.

Es así como estas dosartistas del mundo plástico han combinado talentos con el ingenioso diseñador Luis Rossano (Ganador de la edición 1998 del premio PlumaJoven, Ingeniero) esta alianzacrea la figura que este año se hará entrega al ganador del concurso Celuloide2011. La efigie está compuesta de cartóno papel mache, según sean las exigencias en cuanto comienza a tomar forma; elprocedimiento consiste en modelar una figura mediante el método de encapado (material artesanal); cada pieza es cien por ciento a mano y su elaboracióntarda aproximadamente un mes.

Luis nos comenta acerca de su experiencia en la realización deesta obra

.- Es una gran oportunidad que nos hayan invitado a elaborar estapieza, que nos abre un espacio más en la atmosfera de las artes, de igualmanera el de dar a conocer nuestra labor a un público nuevo. Para moldear esta composiciónde la cual fuimos cómplices; laimaginación y la espontaneidad fueron concluyentes para esta invención; por otra parte el papel es un material muy noble lo que nos permitió darle cualquier forma yesta ocasión no fue la excepción.

El ganador se dará a conocer próximamente yseguro que además de ganarse el reconocimiento de todos, se llevara a casa unaobra de arte, que según dicen estuvo muy peleada por varios realizadores de celumetrajes.Lo que un galardón representa para quien lo ha ganado es una recompensasignificativa al arduo trabajo, perseveranciae imaginación; pero también nos demuestra que no hay límitespara la inventiva y que es posiblelograr todo lo que nos propongamos, partiendo esta vez desde el simplepero irrefutable ojo de una cámarade celular, dándonos la alternativa decaptar cualquier cosa que pasa en nuestro planeta con solo un click, lo demásya es creatividad

Bayard: espejo de Francia

2011-10-13T09:03:00.000-07:00

Bayard: espejo de Francia (IV de IV)

Cuando la realidad golpea.

Del 13 al23 de septiembre pasado, una delegación de CINEARTE Puebla llevó a cabo laproducción de un proyecto audiovisual en Toulouse, Francia, el cual retrató albarrio de Bayard. Aquí el últimorelato de este proyecto –aún en desarrollo- que pretende retratar un espacio,una sociedad y una época.

(AlonsoFragua)*.

La realidad, cualquiera que esta sea, acabapor golpearte cuando menos te lo esperas. A pesar de las videoconferencias, dela información compartida en el blog, y de la disposición acontestar sus preguntas por correo, desde muy temprano fue evidente que Pamela,Lupita y Raúl no estaban listos para retratar un barrio de una ciudad francesaque les era totalmente desconocida.

La realidad,entonces, se asomó poco a poco en cada uno de los 11 días que duró lagrabación, hasta que dos noches antes de terminar, nos dio la bofetada final.En especial a Pamela, la directora.

No fue (sólo) lafalta de preparación sobre el tema. No fue (sólo) la falta de experiencia –nohay que olvidar que los tres, junto con Felipe, el guionista, son alumnos deprimer año de Dirección Cinematográfica. No fue (sólo) el realizar undocumental con tintes de ficción. No fue (sólo) el enfrentar una primeraproducción fuera de su zona de confort y rodeados de un idioma que no hablan.Fue (todo) eso y más.

Por las calles de Bayard

Antes de llegar a esa noche del miércoles 21en que el dilema sobre el destino final del protagonista, Carlos, se colara enla mente de Pamela y la pusiera a trabajar intensamente, distintas experienciasfueron moldeando las reflexiones de todo el equipo.

Sibien las entrevistas con François Bordes, director del Archivo Municipal de laciudad, y con Gérard Villeval, conservador del Museo del Viejo Toulouse fueron sumamenteinteresantes, los datos que aportaron se pueden encontrar en un libro. Noobstante, los relatos de Kharim y de Manu -y su perra Afro(dite)- fueroninvaluables.

Amboshombres nos pintaron una cara de Francia que, si bien no fue inesperada, cobróun sentido especial viniendo de sus propios protagonistas.

Kharim,padre de familia desempleado de origen árabe, no se limitó a describirnos lasituación del barrio o del país, sino que nos habló de la crisis que atraviesaEuropa. A pesar su propia situación –que lo tenía medio ebrio en plena calle alas 4 de la tarde un lunes- no dejaba de repetir que valía la pena buscar uncambio. “No por mí porque yo ya estoy jodido, sino por mi hijo. ¿Qué culpatiene él?”

Y luego vino Manu,vagabundo con quien platicamos una tarde sentados en la esquina de la calleBayard y el Boulevard Strasbourg. Su encuentro le puso nombre y rostro a lo queese mismo día nos explicaba Monsieur Cousy, del Centro Comunal de AcciónSocial, oficina encargada de la atención puntual a la comunidad de SDF o SinDomicilio Fijo.

Desmenuzar cada unode estos encuentros sería largo y complejo, además de que estropearía lasorpresa de nuestro proyecto. Basta contar, por el momento, que no fuesuficiente el estar listos a cambiar de forma de pensar pues la realidad nosgolpeó de frente.

¿Quedarse o partir?

En ocasiones anteriores –y en este mismotexto- había explicado un poco sobre una característica básica de nuestroproyecto: su calidad de documental con tintes de ficción. Para lograr estamezcla incluimos al personaje de Carlos, quien de ser un “simple” guía a travésdel barrio se convirtió en protagonista indiscutible.

Enun principio, si tuviéramos que usar porcentajes, diría que 80 por ciento delproyecto debería ser documental, y sólo 20 de ficción. Pronto descubrimos que,al tener una estancia tan corta sobre el terreno, la ficción serviría paratransmitir todo aquello que la cámara no pudiera registrar en el momentopreciso de que ocurriera. Así, la ficción acabará presente en 40 o 50 por ciento…aunque eso lo sabremos de forma definitiva hasta terminar el montaje.

Lapregunta que abofeteó a Pamela la noche del 21 de septiembre, y que rondaba elguión y desde el principio de nuestras grabaciones era, una vez que Carlos terminede conocer el barrio y la realidad de la nación que lo alberga, ¿decidiráquedarse o preferirá regresar a México, su patria?

Apesar de que la respuesta está en Carlos, el personaje, y su evolución dentrode la ficción que arropa el documental (¿o era al revés?), el camino parallegar a ella está pavimentado con las reflexiones del propio Carlos, el actor,de Pamela, la directora, de Lupita, la directora de fotografía, de Raúl, elencargado de sonido, de Alonso, el productor. Y una vez en la sala de montaje,de Felipe, el guionista, y de X, editor…

¿Quedarse como extranjero en unaEuropa en crisis cuyo retrato no es exactamente como nos lo pintan en los“países en desarrollo” o regresar a casa, a un México cuya realidad se hacecada día más compleja, imprevisible y violenta?

Mientrasla respuesta cobra forma en “Bayard”, invitamos al lector a visitar el blog www.bayardencinearte.blogspot.compara compartir anécdotas de la producción –como aquella del encuentro con MadameSonia- y la información que la post-producción vaya generando.

Por las calles de Bayarden busca de imágenes e historias. Raúl, Pamela y Lupita.

*Periodista cultural poblano, colaborador dedistintos medios locales y nacionales desde 2008. Recientemente cubrió losEncuentros de Cines de América Latina de Toulouse, el Festival de Cannes y elfestival Rio Loco.

¿Fumas?

2011-10-06T19:18:00.000-07:00

¿Fumas?

Una decisión, que causa la muerte.

Por: Rebeca Flores y Arturo Rebolledo

Últimamente he escuchado quejarse a los fumadores por lasimágenes y frases tan desagradables que han llegado a cajetillas y anuncios decigarros, argumentando ¿por que no atacar de la misma forma a la gente que esaltamente consumidora de productos chatarra, en especial a los que sufren deobesidad? Sin embargo no se dan cuenta que no es quien ataque a quien, ellosmismos están atentando contra su salud por medio del tabaco el cual contienesustancias que los hacen dependientes y peor aun, es una de las principalescausas de muerte debido al cáncer pulmonar.

La organización estudiantil de medicina, IFMSA de la BUAPllevo a cabo un bodypaint anti-tabaco, mientras los modelos mostrabandiferentes imágenes conforme se iba narrando una breve historia titulada “Cartas a Nico” escrita por Jesús ArturoHernández Sánchez. Los estudiantes nos ofrecieron bastante información acercade lo que el cigarro puede causarnos.

El tabaco produce serias enfermedades; en la piel como:celulitis, envejecimiento precoz y aparición de manchas, desarrollo de acné,entre otras. En la digestión producegastritis, diferentes tipos de cáncer: pulmón, faringe, sistema digestivo,sistema urinario, etc.

En mi opinión es extremadamente denigrante sentenciar unamuerte lenta por miserables $50. La gente que fuma y que hace de este un hábitorealmente da una mala imagen y lo que espeor, afectan a personas que tiene un “estilo de vida sano”; ya que al ser fumadores pasivos, el dañoprovocado por el humo es mucho mayor queel mismo cigarrillo. Hace poco escuche otra de las muchas excusas que circulan entre los fumadores: “Detodos los vicios fue el único que elegí” ¿Cómo se puede elegir un vicio? Todoen exceso es dañino.

Realmente si dijeraseso en cualquier lugar con gente que no conoces te verían como un perdedor,alguien que buscar encajar en la sociedad haciendo cosas que no van con tupersonalidad.

Para concluir, te pregunto: ¿cuánto quieres vivir? Si me dices que por unlargo tiempo, entonces te digo ¿dejaras de fumar?

Comunidades Empresariales

2011-10-06T19:06:00.000-07:00

Comunidades Empresariales

es una empresa devanguardia.

El concepto está dividido endos partes.

La primera es actuar como una herramientade marketing alternativo principalmente para PYMES. Hemos detectado que muchas empresas conexcelentes profesionales , productos y servicios no tienen el impacto quedebieran ,ya que asignan su presupuesto precipitadamente, por lo que le danprioridad a los gastos fijos, la nómina, la operatividad, el inventario y elmarketing lo dejan para el final.

Cuando esto ocurre lo que comienza asuceder es que no hacemos un marketing inteligente de acuerdo a nuestro rubro omercado. Lo que hacemos es un marketingde desesperación y bajo costo que nos haga pensar que nos estamos moviendo dealguna forma en crear una presencia de marca.

Comunidades Empresariales es unaherramienta que da impulso a la economía local y nacional principalmente aunquesu presencia de marca (branding) está hecho para América Latina generando yaalgunos negocios en este nivel para algunos de los asociados.

Comunidades Empresariales sí invierte endiferentes medios de publicidad para posicionars, por lo que muchas veces esmás fácil que la gente llegue primero al portal de Comunidades que a laspropias marcas que lo conforman.

El portal es interactivo. Está realizado através de un concepto Web 2.0 el cual permite interactuar de diferentes formascon la gente que nos visita. Actúa además como un directorio empresarial sinembargo, su navegación es muy sencillaya que está diseñada a través del concepto de mapas mentales lo quepermite que la información contenida seubique rápidamente. Para los asociadosademás de darles presencia de marca se les acerca una base de datos a nivelDirectivo que permite generar alianzas estratégicas efectivas.

También Comunidades Empresariales permite alos asociados publicar promociones que les dan mayor presencia de marca y losacercan más al público objetivo a través de una Tarjeta de Lealtad. El públicocompra esta tarjeta para acceder a todos los descuentos y beneficios que lesotorga el ser socios de la Tarjeta Comunidades por lo que la forma de recuperarsu inversión es prácticamente inmediata.

Además de estas acciones de marketingtenemos una fuerte presencia en Redes Sociales lo que permite que el actual públicocibernauta encuentre opciones de consumo que les permitan tener calidad yprecio.

Comunidades Empresariales también cuentacon un grupo experto para poder crear Identidades Corporativas, Sitios Webefectivos , Portales, Planes de Mercadeo, Consultoría y Capacitaciones endiversas áreas.

Nuestra idea es ser una empresa que tengaun aporte social por una parte y profesional por otro de manera que apoyemos alas empresas que inician o que van en camino a generar una verdadera Identidadque les permita permanecer y crecer.

Dirección Calle 17 Poniente No. 303 B .Col. El Carmen . CP 72000

Teléfonos: +(52) (222) 403.39.96 /97 /98

www.comunidades.cc

"El Caballero de Olmedo"

2011-10-03T20:37:00.001-07:00

"El Caballero de Olmedo" de Lope de Vega. Puesta en escena del talento poblano.

Por: Alma Angelina C. Carbajal Guzmán

Producciones Shake & Falstaff, El Instituto Nacional de Bellas Artes, a través del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Puebla, el Consejo Estatal para la Cultura y las Artes de Puebla, H. Ayuntamiento de Tecali de Herrera, Doctor Nicolás Sánchez y Fundación Novangardo presentan:“El Caballero de Olmedo” de Lope de Vega:La historia se desarrolla en una provincia mexicana en el año 1930; en esos tiempos la sociedad experimenta la Guerra Cristera, en medio del conflicto hombres y mujeres viven las pasiones del amor, la trama se centra en un hombre que contradictoriamente tiene que luchar con su moral, discurriendo y preguntándose “¿Cómo puede alguien conservar la cordura si ha perdido la dignidad?” “¿Cómo puede ser aclamado sin perder la justa dimensión de la vida?”

Esta puesta en escena proviene de la motivación y de un gusto apasionado por el verso; lo que hace que en la obra se trastoquen aspectos como: pasiones desbordadas, normas estrictas, las cuales permiten juegos más libertianos y libertarios, en los que la emotividad dirige las conductas de los personajes; estas y mas vicisitudes cobran vida en el escenario, gracias a la creación de un teatro de vanguardia.

La Dirección y adaptación corre a cargo de Abril Mayett (funge como directora de Producciones Shake & Falstaff, beneficiaria del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes en la categoría Jóvenes Creadores, beca con la cual produce y dirige “El Caballero de Olmedo” de Lope de Vega. Además tiene a su cargo la dirección del Primer Festival de Teatro Frente al Mar en Lázaro Cárdenas, Michoacán) para ella y todo el equipo fue de vital importancia rescatar uno de los patrimonios históricos de Puebla en este caso el Corral de Comedias del Municipio de Tecali, la estructura del mismo es incluyente; lo que ocasiona un ambiente de intimidad con el espectador, ubicando inmediatamente al público dentro de la ficción.

El retomar este espacio no sólo trae de vuelta al Teatro Clásico desde una idea romántica, sino que también la representación de este tipo de espectáculos apunta a la intención de reutilizar estos sitios en Puebla y sus Municipios, así como en otros estados de la República, para dar a conocer la importancia histórica del patrimonio mexicano. La atmósfera que envuelve a este significativo lugar se debe en parte a la iluminación de lámparas de aceite y antorchas que enmarcan sencillez, austeridad y estética antigua; todos estos elementos añadidos con la dramatización logran transmitir un realismo mágico impresionante.

En “El Caballero de Olmedo” de Lope de Vega se exhibe la tragedia perfecta fusionada con una estética en el verso. Esto aunado a un elenco de actores de primera categoría como Sonia Franco (Actriz egresada del Diplomado en Actuación por el Centro Universitario de Teatro, CUT. Coescritora y cocreadora de diversos proyectos entre los que destacan: “Matar a Steven Spielberg”, largometraje y “Casa con dos puertas, mala es de guardar”), Fernando Villa Proal (Estudió en el Colegio de Literatura Dramática y Teatro de la UNAM. Como actor participó en los montajes: Comedia sin Título de Federico García Lorca, El condenado por desconfiado de Tireso de Molina.

Durante finales de 2008 y principios de 2009 fue coordinador de producción en la Dirección de Difusión Cultural de la Universidad del Claustro de Sor Juana (UCSJ). Raúl Villegas (Estudio en el Colegio de Literatura Dramática y Teatro de la UNAM. Ha colaborado en montajes como Calígula de Albert Camus, La sirena del faro de Ray Bradbury) y Abril Mayett (Graduada con Mención Honorífica de la Escuela Nacional de Arte Teatral de Bellas Artes y actualmente dirige 2 puestas en escena: “Por qué los hombres aman a las cabronas” producida por Rubén Lara en el Teatro 11 de Julio y “Las Cosas Simples” de Héctor Mendoza)

El Diseño Musical está a cargo del maestro Aurelio Tello, especialista en música barroca; en acompañamiento con los músicos: Evelina Hernández, Elizabeth CO y Beylin Barrera. Vale el gusto ir a ver esta obra que promete transportarnos a la realidad de un teatro clásico. Propuesta que seguramente tendrá una crítica favorable en el público poblano.

Estreno: 30 de Septiembre.

Funciones: 1, 7, 8, 14, 15 de octubre y 30 de noviembre de 2011. 6pm. Informes y reservaciones: abrilmayett@gmail.comEntrada Libre. Adolescentes y Adultos. ¡No faltes! Te esperamos.

La Dama de Negro

2011-10-03T17:43:00.000-07:00

“La Dama de Negro” es Teatro dentro del Teatro.

Arthur Kipps ha vivido aterrado a partir de una experiencia que enfrentó en su juventud. Los terribles eventos que le han sucedido deben ser contados ante un público conformado por familiares y amigos, por lo que decide escribir su historia y buscar la ayuda de John Morris, un escéptico director de escena para que lo oriente a interpretar adecuadamente su texto. Para esto se citan en un viejo teatro.

Durante el primer acto, que más bien es de carácter expositivo, el público conoce los pormenores preliminares de la historia y siente la atmósfera inglesa de principios del siglo XX.

En el segundo acto, la historia va provocando risas nerviosas que culminan en gritos de franco terror y pavor al final de la historia. Logrando que cada persona se paralice de miedo en su butaca ante todos los fenómenos inexplicables que está presenciando.

A fin de cuentas el espectador es quien descubre que la leyenda de “La Dama de Negro” va más allá de una ficción teatral.

Funciones

Teatro Principal

26 de Octubre

7:00 y 9:30 pm

Labios Rojos en Puebla

2011-09-29T21:19:00.000-07:00

Labios Rojos en Puebla 27 de sep en cinemas Lumiere

Al grito de paz.

2011-09-18T13:08:00.000-07:00

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Viernes 2 de septiembre de 2011

Por: Alma Angelina Concepción Carbajal Guzmán.

“aunque esta muerte sea

uno de los absurdos previsibles”

Mario Benedetti

“Hurrah! por fin ninguno es inocente”

Juan Gelman

Al grito de paz.

¿A quién corresponde?

La presente misiva no tiene más pretensión que alzar la voz de la conciencia. Me permito a su vez traer a valor presente los recuerdos más sagrados de mi infancia, ese rincón sagrado para muchos. en las noches de lluvia, truenos y relámpagos podía correr y meterme a la cama con mis papás. Esa dulce región no la expropiaba ni el alza internacional del precio del petróleo, ni mucho menos la devaluación del peso. Recuerdo aún los encabezados de los periódicos, siempre ajenos a mis preocupaciones de esa edad. En las calles acusaban a los medios de comunicación de no decir la verdad: ¡Vendidos! ¡Cochupo, entre el gobierno, la prensa, el narco (que para ese entonces era asunto de los hermanos Almada y los Tigres del Norte) y los industriales!

Ahora… qué infancia le toca vivir a mi hijo, en estos tiempos que el estira y afloja no se hace en lo oscurito, y a plena luz de día vemos decapitados, militares en las calles, bloqueos de carreteras, ajustes de cuenta entre cárteles, sin olvidar que las muertas de Juárez siguen alzando la mano desde lo profundo. ¡Claro! Ahora lo recuerdo bien, nos vendieron la idea de que ustedes son mejores. El pueblo sigue con hambre, no de sangre, no de justicia, tan sencillo como el instinto de tener algo en la panza, nosotros no comemos con macroeconomía.

Es claro que para que exista un conflicto se necesitan de dos, quizás esta frase de terapia familiar señale la realidad del país. Un sector del pueblo se ha desprendido de su parte humana y ha hecho de la violencia su negocio. Sería equivocado disculpar sus acciones diciendo que no tuvieron “oportunidades”, pero seamos realistas una cosa es robar para tragar y otra matar para tener lujos.

Hago una extensa invitación a estas personas que actúan con violencia a que dialoguen en nombre de esta nación que exige de ustedes responsabilidad de sus acciones y pensamientos. Estamos hasta la madre de ver en las calles y en cada medio de comunicación como esta afrenta no tiene conclusión, al contrario se ha ido incrementando absurdamente por cualquier motivo. La confianza ya no es una palabra que les quepa en la lengua, la han cercenado de raíz, de la poca humanidad que les hace ser unos individuos con la capacidad de actuar con inteligencia y buen juicio, pero nunca lo harán, están ciegos en un país en los que todos tenemos los ojos bien abiertos, sin embargo nos dejamos guiar por personas sin sentido común.

Por eso en esta carta me dirijo a mis hermanos, los que aún no nos hemos emputecido con la pretensión de estar pasando por encima de otros. Ellos no tiene solución pero el peor de todos los crímenes es el de la omisión. El grito es por la paz, el silencio contribuye al oprobio de la guerra.

Por lo tanto corresponde a nosotros, una mayoría ajena a la guerra.

Queda a sus órdenes

El eslabón que necesita forjarse con la paz.

Edukndo

2011-09-18T13:07:00.000-07:00

Edukndo

Edukndo es un espacio creado especialmente para los pequeños desde la concepción hasta los 12 años. Creamos el ambiente adecuado para la primera separación de los niños del hogar brindándoles atención de personal altamente capacitado para proporcionarles las habilidades necesarias para que tengan el mejor comienzo en su carrera educativa, apoyados siempre por el departamento Psicopedagógico que no solo apoya a los niños, sino que brinda asesoría a los padres y terapias infantiles en las diferentes etapas del desarrollo Edukndo desde su origen, se mantiene en la vanguardia educativa utilizando las herramientas y métodos más innovadores para el desarrollo de las habilidades cognitivas y emocionales de los niños, basados en una mezcla de teorías del desarrollo de la niñez complementado por más de 10 años de experiencia de sus docentes. En Edukndo nuestro lema es: “Play, Learn and Grow Together” para lo cual hemos implementado el juego de desarrollo, la música, estimulación temprana, clases de arte, psicología infantil, kids yoga y educación en la fe Católica, con lo cual cubrimos todos los aspectos de la personalidad de los niños: la mente, el cuerpo y el alma.

Los programas de Edukndo son completos e integrales abarcando desde el embarazo hasta los 12 años de edad, siendo un apoyo para los padres en la educación de sus hijos. Para los más grandes contamos con club de tareas donde se reúnen no solo para hacer la tarea de una forma activa y dinámica, sino que creamos hábitos de estudio que les proporcionen conocimientos metodológicos para facilitar sus tareas. Así mismo, contamos con regularizaciones para los que requieren apoyo extra en sus asignaturas, apoyo en el estudio para exámenes, clases de inglés en todos los niveles, kids yoga (a partir de 3 años), catecismo para la Primera Comunión y Educación en la Fe para niños de 2 a 12 años donde transmitimos no solo las bases de la religión Católica, sino los principales valores que los harán mejores personas.

Plaza W LOCAL 110

BLVD. ATLIXCAYOTL 3248

FRENTE A SUPERAMA LA VISTA

VIART festival de cine en venezuela

2011-09-18T13:06:00.002-07:00

VIART festival de cine en venezuela

VIART es un festival que busca convertirse en un espacio de interacción y servir como una plataforma de expresión a través del intercambio cultural entre los países participantes, además de servir de escenario para crear vínculos entre artistas jóvenes, universidades y profesionales del medio. Se busca incentivar la creación artística universitaria a través del concurso, ofrecer una oportunidad para que los estudiantes amplíen sus conocimientos técnicos y artísticos del mundo audiovisual a través de talleres, charlas y proyecciones, cine-foros, conciertos, actividades calle y mucho más.

Este Festival nace en 1991 bajo el nombre de Video91, como una iniciativa de los estudiantes de Comunicación Social de la Universidad Católica Andrés Bello (UCAB) para convocar a miembros de esta casa de estudios. Al año siguiente, debido al éxito de la primera edición, se realizó Video92, y es en el año de 1993 cuando nace la primera edición del evento bajo el nombre actual: VIART

En su edición de 1996, el concurso se transformó en un festival de cortometrajes en video, en el cual, durante los 5 días de la denominada Semana VIART, se organizaron distintas actividades relacionadas con el medio audiovisual para complementar y enriquecer al evento.

En 1997, VIART se internacionaliza y convoca a estudiantes de Venezuela, México y Colombia. El festival perfeccionó su organización, alcanzando su momento de mayor proyección durante el concurso de 1998, con el apoyo de personas como Solveig Hoogesteijn, Margot Benacerraf, Luís Alberto Lamata, Diego Rísquez, Guillermo Arriaga y Fernando Gaitán. Continúa en una edición conjunta para VIART 1999-2000, y en 2001 sigue la internacionalización e inicia operaciones en Argentina, con el apoyo de la Universidad de Buenos Aires y el Centro Cultural Rojas.

Por cuatro años VIART desaparece por completo de escena, regresando en el 2005 totalmente renovado, con cambio de imagen y con independencia absoluta de la UCAB, convirtiéndose en una Asociación Civil sin fines lucrativos, dedicada a la promoción y difusión audiovisual.

Para el año 2006 VIART decide abrir sus puertas a toda Iberoamérica, gracias al apoyo de la Conferencia de Autoridades Cinematográficas de Iberoamérica, el Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC) y La Embajada de España en Venezuela.

DietaMediterranea

2011-09-18T13:06:00.001-07:00

DietaMediterranea

Esta es una comedia con amor, sexo, familia y cocina.

Es una idea que me persigue hace años. Empezó a “seducirme” cuando comprendí que España se dirigía irremediablemente a ocupar uno de los primeros puestos de la gastronomía internacional,. Fue cuando los restaurantes empezaron a cuidar su imagen, los platos menguaron, los cocineros tuvieron depronto nombre y apellidos y la mayoría de mis amigos se hicieron forofos del tofu, la tempura y el sushi.)

Pero la culpa de verdad la tuvieron las carreras meteóricas de cocineros estrella como Ferrán Adrià, Carme Ruscalleda o Santi Santamaría (por no citar a muchos más), que me abocaron a esta especie de “kitchen ópera” donde tres personajes evolucionan a lo largo de 40 años (de 1968 a 2008), en una trayectoria muy paralela a la de este viejo continente.

Comer es una necesidad pero también el primer placer del ser humano y posiblemente el último.

El Sur de Europa pertenece a un área de hábitos alimenticios dominada por la influencia de un mar pequeño (Mediterráneo: pequeño mar entre tierras) por el que se movieron los persas, los macedonios, los griegos, los romanos, los árabes, los castellanos, los turcos, desparramando sus ansias de civilización por el resto del mundo.

A esa tradición alimenticia, que tiene en el pan, el vino y el aceite de oliva sus tres máximos ingredientes, se le ha dado en llamar DIETA MEDITERRÁNEA; algo que, por encima del hecho de comer y de sus cualidades nutricionales, se ha convertido en una forma de vida.

De esa forma de vida, en muchos sentidos totalmente opuesta a la de los países anglosajones, habla esta película: De una manera sensual de nacer, crecer, amar, odiar, entender las relaciones sexuales, trabajar y continuar viviendo. De una forma especial de valorar el tiempo. De unos personajes que viven pegados a su tierra y a su familia.

Y eso lo hacemos de la mano de tres personajes únicos: Sofía (Olivia Molina), la gran cocinera, capaz de ofrecer recetas muy especiales a su cocina y a su vida, Toni (Paco León), el hombre que la ama por encima de todo y que la pega a la tierra, y Frank (Alfonso Bassave), el tipo solitario y escurridizo que huele el talento y es capaz de cualquier cosa por conseguirlo. Dos hombres y una mujer como eje de sus existencias.

¿Existe algún hombre que de verdad tenga la sensibilidad de entender a fondo a una mujer?

Esta película responde que sí.

Joaquín Oristrell

Director y Guionista

Ficha Técnica

Productora: Messidor Films 2009. España.

Formato: 35 mm 1:1.85 Kodak Vision, Color

Duración: 102 min / 2790 m

ACTORES

Sofía, la cocinera OLIVIA MOLINA

Toni, el marido PACO LEÓN

Frank, el amante ALFONSO BASSAVE

EQUIPO

Director JOAQUÍN ORISTRELL

Producción MARTA ESTEBAN / GERARDO HERRERO

Guionistas JOAQUÍN ORISTRELL / YOLANDA GARCÍA SERRANO

Fotografía ALBERT PASCUAL

Director Arte LLORENÇ MIQUEL

Sonido SALVA MAYOLAS / RICARD CASALS

Montaje AIXALÀ / DOMI PARRA

Asesor Gastronómico ALAIN DEVAHIVE

Música SALVADOR NIEBLA / JOSEP MAS “KITFLUS”

NATURALEZA MUERTA Y MARLON BRANDO

2011-09-18T13:05:00.000-07:00

NATURALEZA MUERTA Y MARLON BRANDO

TURISTEATRO NOS INVITA A “ATREVERSE” A VERLA…

El pasado 19 de Agosto, el grupo TURISTEATRO, realizo el primer “ensayo con público”, de la obra “Naturaleza Muerta y Marlon Brando” del autor Huberto Leyva, bajo la dirección de Carlos Arturo Aguilar. Y es que en palabras de los miembros de la agrupación escénica, el grupo se prepara para lo que será el estreno oficial de la obra el día 15 de Septiembre, fecha en la que sucede la misma obra.

Naturaleza muerta y Marlon Brando es una obra que habla de un tema tan universal como el amor, la pasión y las cosas que hacemos y dejamos de hacer en nombre del mismo, la historia refleja el daño que podemos hacer a los nuestros cuando el amor no es asumido como tal.

Víctor es un músico mexicano que vive en un departamento de la ciudad de México y ocasionalmente recibe a su “novia” española, Eugenia; que viene a pasar temporadas con el amor de su vida; sin embargo Víctor, en el tiempo en el que su mujer regresa a Barcelona, mantiene relaciones ocasionales con distintos hombres; sin embargo su última conquista, Daniel, no estará dispuesto a perder tan fácil a su amado. La historia comienza cuando los tres personajes se encuentran y se enfrentan en la noche del 15 de septiembre…fecha en la que precisamente los mexicanos celebramos nuestra “independencia”. De esta forma Víctor se enfrentará en una misma noche a dos amantes que no están dispuestos a doblegarse, ni a ceder…una noche en donde su decisión es determinante…

Naturaleza muerta es una obra que refleja una realidad de nuestros tiempos, y quizá de siempre; la características de algunos hombres que no pueden o no quieren asumir una sexualidad, pero él no asumirla no les impide experimentarla; aquella doble moral en la que algunos “machos” sienten la necesidad de exhibirse con una mujer, cuando al cerrar la puerta experimentan lo que realmente quieren.

El montaje si bien no es de carácter “sólo adultos”, es recomendable para personas que asumen una realidad, sea o no la suya, y como parte de una verdad en nuestra sociedad. Durante la historia, uno de los personajes siente una gran admiración por Marlon Brando, actor de “Un tranvía llamado deseo” de Tenesse Williams, quien a través del tiempo es considerado como uno de los personajes “ícono” de la sensualidad y sexualidad masculina en el cine.

El grupo Turisteatro, con esta obra, le apuesta a un tema controvertido y para muchos considerado como “fuerte”; la agrupación sale de su ya conocido y reconocido trabajo para los adolescentes, pues durante 5 años se han dedicado a las puestas en escena de prevención: Tercera Dimensión (prevención del embarazo), Saludablemente peligrosa (prevención de problemas alimenticios), A tu salud (prevención en el abuso del alcohol), El secreto de Xocmié (prevención y denuncia de la violencia intrafamiliar), y Oidicius (prevención del suicidio); dichos trabajos los han hechos acreedores a 2 becas Foescap, ganadores de la muestra estatal profesional de teatro poblano 2011 y el premio municipal de la juventud para su director y dramaturgo Carlos Arturo Aguilar; razón por la cual la temática de Naturaleza muerta resulta especialmente nueva para los seguidores de los mencionados artistas.

Las representaciones se llevarán a cabo los días lunes del mes de septiembre y octubre a las 8 30 p.m, en el teatro universitario Ignacio Ibarra Mazari, ubicado en la Av Palafox y Mendoza número 407.

En el montaje actúan Giovanna O. Cué, Amaranta Galeazzi (alternan funciones), Yorch Carrillo y Carlos Arturo Aguilar.

Karla Gamiño

2011-09-18T13:04:00.000-07:00

Karla Gamiño, curiosa por naturaleza

POR: Nayeli Aparicio

Sensible, sencilla y observadora, Karla Gamiño tiene un talento especial: parece haber entrenado ojos, mente y corazón, para apreciar la belleza de lo más pequeño, de lo espontáneo, de lo casual. Y es con este talento que cada vez que toma una cámara, logra capturar la magia de la naturaleza en un solo clic.

Mostró interés en el arte desde niña (hay que decir que además pinta), pero fue después de terminar la prepa que decidió adentrarse en la fotografía: “Me fui a Chicago dos años y ahí fue cuando empecé a tomar mis primeros cursos (entre ellos uno en el Harry S. Truman College) y me compré mi primera cámara grande. Saliendo de la escuela me iba a tomar fotos al zoológico, donde pasaba horas viendo a los animales y a la gente. Me acuerdo que dos fotos de esas fueron ganadoras de un concurso y los maestros me las elogiaron mucho: una de una leona en pose muy sumisa, y otra de una persona que pasaba junto al lago sin darse cuenta de que justo en ese momento se levantaba una ola como de tres metros.”

Para Karla, quien además es diseñadora de interiores, la buena fotografía es sinónimo de prestar atención, de estar abierto a lo inesperado: “Creo que eso fue algo que aprendí de mi abuelo; él hasta la fecha trae siempre su cámara para todos lados. Hasta el día de hoy nos sorprende siempre a todos con unas fotos maravillosas, que nunca sabemos cuándo tomó porque no es de los que está diciendo: ‘A ver, pónganse’. Y así es; a mí las cosas que más me gustan cómo salen son las que no tengo planeadas.”

Amante de los espacios al aire libre y la vida silvestre, se deja cautivar por las formas, colores y texturas; su lente capta y sus imágenes le hechizan a uno como espectador por su nivel de detalle. Debe ser por eso que la revista National Geographic en Español ha seleccionado algunas de esas fotografías para ilustrar tanto su edición en línea como impresa. Su trabajo también ha formado parte de varias exposiciones colectivas, entre ellas la llamada “25 miradas al bosque”, presentada en el Centro Cultural Rosario Castellanos del Fondo de Cultura y próxima a inaugurarse en el Zoológico de Chapultepec.

“Creo que la naturaleza está esperando que la descubras: a veces hay que observar y esperar; pero la mayor parte del tiempo todo ocurre en un instante, rapidísimo. Así me pasó un día que me iba a meter a bañar y salí a prender el boiler, y de repente vi un grillo, increíble. En ese momento fui por la cámara para tomarlo… Igual me pasó cuando distinguí una abeja dentro de una flor de calabaza; sentí que me miraba y ¡tenía que tomarle una foto! Por eso siempre hay tener la cámara a la mano porque si te tardas mucho ya se te fue el momento. La verdad es que me dejo llevar y las fotos me salen fácil; ha de ser porque soy curiosa”, cuenta divertida.

Platicar con Karla Gamiño es recordar que en los tiempos ajetreados en que vivimos, es común que dejemos de prestar atención a las cosas simples pero maravillosas que el mundo nos regala. Así como ella habrá que intentar voltear la mirada de nuevo al cielo, a las nubes, las sombras que bailan en el piso a pleno rayo de sol, las hojas de los árboles o las sonrisas que conocidos o desconocidos nos regalan. Tratemos, pues, de despertar nuestra curiosidad y ¡dejémonos sorprender!

Bayard: espejo de Francia (III de IV)

2011-09-18T12:18:00.000-07:00

Bayard: espejo de Francia (III de IV)

La paciencia y el cambio

En septiembre próximo, una delegación de CINEARTE Puebla viajará a Toulouse, Francia, para grabar un documental sobre el barrio de Bayard. Aquí el desarrollo de este proyecto que pretende retratar un espacio, una sociedad y una época.

(Alonso Fragua)*.

La paciencia y la conciencia sobre el cambio como única constante son dos elementos claves para un documentalista.

La paciencia, necesaria no sólo para una producción audiovisual sino para tantas otras empresas humanas, juega un papel importante desde la investigación y luego, durante el rodaje y la post-producción. Pensemos por ejemplo en un documental sobre la naturaleza y su papel cobrará un sentido trascendental. ¿Cuántas horas tendré que esperar para que la leona ataque a su presa? Paciencia, paciencia…

En cuanto al cambio, de nada servirá negarlo, evitarlo o mandarlo al demonio; él llegará solo y sin invitación. Empezar un proyecto con plena conciencia de que habrá cambios ahorrará muchos dolores de cabeza y/o nos abrirá las puertas a nuevos temas, enfoques o personas. Lo que empieza como un documental sobre un médico cuyos testimonios han contribuido a condenar a muerte a una centena, puede terminar como el medio para reabrir una investigación policiaca sobre un asesinato en Texas. Pregunten a Errol Morris y a su obra The thin blue line (1988).

Paciencia en Toulouse

El trabajo a distancia -ayudado por Skype y correo electrónico en nuestro caso- puede ser cansado. Sobre todo cuando hay siete horas de diferencia y es al lado francés al que le toca estar frente al monitor a las 11 de la noche. A pesar de mi constante optimismo, ahora puedo aceptar que las primeras conferencias no fueron muy productivas. Primero porque había que acabar de “vender” el proyecto a la parte mexicana.

¿Por qué ocupar las dos semanas de estancia en Toulouse en el retrato de un barrio “marginado” cuando en la misma ciudad tenemos sitios tan hermosos e importantes como el Canal du Midi –joya de la ingeniería civil del siglo XVII y patrimonio de la UNESCO-, el río Garona, o la presencia innegable del sector aeronáutico y espacial en la periferia? ¿O por qué no hablar de Antoine de Saint-Exupéry, pionero de la aviación y autor de El Principito y su relación con la Ciudad rosa? ¿O de Gardel y sus primeros meses de vida como tolosano?

Mi respuesta más breve: ¿por qué no? La más elaborada y visceral: porque como mexicano viviendo en Francia necesito hablar –aunque sea a través de otros- de lo que vi, de lo que me parece que pocos hablan y de lo que creo servirá a una reflexión más profunda sobre nuestro país, México, en tiempos de crisis. Por irónico que parezca, creo que es necesario conocer las realidades poco halagadoras del “Primer mundo” para salir de la negación propia, de la apatía constante y del malinchismo rampante.

Una vez vendida la idea y luego de varias sesiones que resultaron de “calentamiento”, la primera verdaderamente productiva tuvo lugar el 20 de julio. Para esa fecha, los alumnos ya habían involucrado a su profesor de Documental, Oscar González, quien ofreció asesorarlos de diversos modos. Su principal aporte, el dedicar las prácticas del curso a hacer pequeños trabajos sobre distintas calles de Puebla. Como respuesta a “qué se necesita para contar una calle o un barrio”, cada semana registrarían la historia, la geografía, la economía y la gente que trabaja, vive y pasa por cada zona seleccionada. El primer protagonista, el Barrio del Artista.

Cambios en Puebla

Primero eran los migrantes, la violencia contra ellos, la discriminación de que son objeto y el largo etcétera habitual. Luego fueron las prostitutas, el pasado “oscuro” de Toulouse que le dio el sobrenombre de la “Sodoma y Gomorra” francesa allá en la Edad Media.

La primera palabra o imagen que viene a la mente del tolosano no se relaciona con el tema de los migrantes. Sin embargo, producto de la información que llega a México sobre Francia -centrada en los problemas de migración en la periferia de Paris- hicieron que la primera propuesta de los alumnos fuera una versión varias veces contadas de la Europa mala-malísima ensañada con el inmigrante bueno-inocentísimo.

Para la segunda, el enfoque cambió y se posó sobre el negocio del sexo. Prostitutas, clubes nudistas, sex-shops, hoteles de media estrella, todo eso abunda por acá. Una caminata por ciertas calles, aún acompañados de la luz día, comprobará lo anterior. La culpa esta vez fue noventa por ciento de la parte francesa. Al intentar mostrar que la migración no era el tema principal y que había otros tantos,, cometimos el error de bombardear el blog con notas sobre la criminalización de la prostitución o la evolución de este oficio a lo largo de los siglos en el país y la ciudad, y así olvidamos, al igual que los muchachos, que había que seguir buscando un enfoque más equilibrado para el documental.

De nuevo, en aquella reunión del 20 de julio, las propuestas que discutimos fueron, ahora sí, más ricas en temáticas, en enfoques y más viables en términos de realización. Aunque para el día que redacto este texto el guión de trabajo sigue en proceso, éste se encuentra más cerca de agradar a todos y de constituir un esfuerzo realizable e interesante para mexicanos y franceses.

Todavía falta mucho trabajo antes de encender la cámara en esta Ciudad rosa, cuna de Gardel, de Airbus y, obviamente, de Bayard. Hasta que ese día llegue, o incluso, hasta que los créditos finales terminen de proyectarse en el estreno en mayo 2012, no podremos saber si el camino seleccionado fue el correcto. Mientras tanto, la invitación queda abierta a visitar el blog www.bayardencinearte.blogspot.com donde encontrarán los primeros artículos sobre Carlos Paz, mexicano residente en Toulouse desde hace cinco años y quien dará vida a Víctor, protagonista de nuestro viaje.

*Periodista cultural poblano, colaborador de distintos medios locales y nacionales desde 2008. Recientemente cubrió los Encuentros de Cines de América Latina de Toulouse, el Festival de Cannes y el festival Rio Loco.

Bayard: espejo de Francia (II de IV)

Un pequeño mundo aparte…

(Alonso Fragua)*.

La idea de mostrar a Bayard como un microcosmos donde es posible identificar a toda Francia fue producto, como ya escribí antes, de la reflexión de un solo extranjero. Es decir, del que esto escribe. Esa visión, mi visión, imperó durante los primeros intercambios con los alumnos de CINEARTE que se encargarán realmente de mostrar la “realidad” de este barrio tolosano.

Mis relatos a través de las videoconferencias semanales y los textos en francés traducidos al español en el blog del proyecto reflejan, repito, una opinión muy específica sobre el tema; incluso la colaboración de Marjorie, la otra productora, no proporciona mucha variedad pues sus ideas permean las mías y viceversa.

Fue así que hace un par de semanas, buscando otras opiniones sobre Francia y la experiencia de vivir aquí, envié una pequeña encuesta a través del Librocara y por correo electrónico. Amigos mexicanos y latinoamericanos que viven o han vivido en el país de Sarkozy, lo mismo que un par de galos que radican hoy en México, respondieron a mis preguntas. Éstas, a su vez, fueron compartidas con los alumnos de CINEARTE, en especial con Felipe, el encargado de escribir el guión.

Aunque con ligeras diferencias, la imagen que me había construido no está tan alejada de la “realidad”. Tanto las cosas positivas como el lado “obscuro” de este país aparecieron en varios de los mensajes. La idea de la nación desarrollada con “una gran cultura culinaria, cinematográfica y artística en general; un país que tiene una gran historia” como escribía S., francesa radicada en México, no era algo ajeno a mis observaciones. No obstante, ella misma describía el otro polo unas frases más adelante:

Salí del país para estudiar en Suiza. Mi visión cambió totalmente. Me di cuenta que todo en Francia tenía que pasar por París, que el poder está muy centralizado, que los franceses son muy arrogantes y flojos, que se quejan de todo sin querer hacer un esfuerzo para cambiar las cosas. (…) Después me fui a México para vivir con mi esposo. Otro cambio total. No entiendo por qué los franceses se quejan, deberían salir del país. Aquí nadie se queja, ganan cacahuates pero saben vivir con eso. No es para nada el paraíso pero la gente es solidaria, se apoya entre sí. (…) No quiero regresar a mi país, porque la gente sigue igual, no ha cambiado. Todavía no entiende que para hacer avanzar las cosas quejarse no es la única opción.

E., mexicana que estudió en París y con “una relación apasionada y también tormentosísima, de amor y odio, de ruptura y reconciliación” con el país, compartía algunos aspectos agradables de su experiencia -no sin antes contar sobre la primera vez que fue discriminada en su vida, en la misma Ciudad Luz que la albergó.

Hay muchas cosas positivas. Yo viví en el 10ème arrondissement (décimo distrito del sistema administrativo parisino) y fue maravilloso ese encuentro cultural de caminar por mi calle Faubourg Saint-Martin llena de mayoristas chinos, dar la vuelta en la esquina, en Château d'Eau, y sentir que estaba en África con todas las peluquerías afros y continuar para poder entrar en el pasaje Brady lleno de olores a comida hindú y terminar con la calle Faubourg Saint-Denis repleta de kebabs y turcos. Esto es para mí el París que siempre quise conocer, bella ciudad donde podemos admirar la multiculturalidad.

Otras opiniones han ayudado a construir la imagen que el equipo de producción encontrará en carne propia. Bajo la etiqueta “De una mirada a otra” del blog –www.bayardencinearte.blogspot.com- los interesados podrán conocer otros fragmentos de estas reflexiones.

Mi imagen general del país galo no era la única que necesitaba enriquecerse con otras voces. La de Bayard, protagonista del documental, también. Más que alimentarse de otras opiniones, necesitaba saber si mis ideas sobre este barrio como un microuniverso o “espejo de Francia” no sonaban a delirio. Además, a través del blog, el énfasis sobre la prostitución e inseguridad que sin duda se leen en la prensa local, dio como resultado que las primeras propuestas de guión se concentraran demasiado en estos aspectos, sin tener los matices que, viviendo aquí, uno es capaz de percibir.

Carolina, amiga brasileña que vive en el corazón del barrio, opinaba que éste no le parece peligroso y que si tiene esta fama es debido a los vagabundos y prostitutas que se encuentran ahí. “Es más bien porque la gente tiene una visión negativa de estas dos comunidades”. Bernard, amigo camerunés, coincidía con ella totalmente. Para ambos, un paseante que atraviesa de la estación del tren hacia el centro de la ciudad a las 3 de la madrugada no corre ningún riesgo, pues las calles principales tienen movimiento 24 horas y eso las convierte en lugares seguros. Es más peligroso en ocasiones andar de noche por barrios elegantes, decían por separado. “Es en este tipo de colonias chic donde yo encontré el verdadero espíritu europeo, individualista. Ahí, si pides auxilio, cada quien se quedará en su casa sin prestarte atención”, continuaba Bernard.

Para Felipe, cineasta colombiano, más que peligroso, el adjetivo es triste. “La presencia de los vagabundos es lo más ofensivo a nivel visual; lo que más impacta, lo que pone la dosis de tristeza”, me contaba. “En Bayard encuentras el cliché francés del glamour –que no ves por ningún lado- confrontado con la realidad”. En su opinión, la hermosa fachada del siglo XIX de la estación de trenes Matabiau es la única imagen cien por ciento francesa del panorama. Carolina lo contradecía un poco: “El Carrefour y las panaderías son muy francesas…”.

Lo cierto es que, por más que enriquezcamos las imágenes de Francia y Bayard para el equipo que se prepara en Puebla, el momento de la verdad les llegará el 10 de septiembre. Ellos, al igual que yo, tendrán su primer contacto con Toulouse a través de esta mítica calle, puerta de entrada de la Ciudad rosa, arteria favorita de los noctámbulos tolosanos, y tantas otras cosas que nos tocará a todos descubrir. “Un pequeño mundo aparte”, como diría Bernard de Camerún.

*Periodista cultural poblano, colaborador de distintos medios locales y nacionales desde 2008. Recientemente cubrió los Encuentros de Cines de América Latina de Toulouse, el Festival de Cannes y el festival Rio Loco.

OPERA PRIMA ROCK.

2011-08-29T07:04:00.000-07:00

Despues de un arrollador éxito en ARGENTINA y en varias ciudades de todo MEXICO; regresa nuevamente a PUEBLA.

No te lo puedes perder!!!
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El espíritu clásico y glamoroso de la obra de Queen fue la fuente de inspiración para la creación del grupo OPERA PRIMA ROCK.
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Desde mediados de 1997 este grupo integrado por once músicos (guitarra, bajo, batería y teclados, una voz líder y seis cantantes en el coro) interpreta los temas más populares y más ricos en arreglos vocales de la banda británica; vale destacar que los arreglos son los originales “off the record” e inclusive se respetan las tonalidades.
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El coro formado por tres hombres y tres mujeres (tenor, barítono, bajo, soprano, mezzo y contralto) abarca todas las cuerdas con la finalidad de reproducir lo más fielmente posible “en vivo”, los arreglos de coro que Queen producía en estudios.
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OPERA PRIMA ROCK no se propone “imitar” a Queen, sino recrear su música respetando tanto las notas como la sonoridad de las versiones de estudio y alguna que otra versión en vivo. Este grupo asocia sobre el escenario a la música de Queen con la música de Mozart, a través de un aria de la opera “La Flauta Mágica” y fragmentos del Réquiem.
Para OPERA PRIMA ROCK la música de Queen, es la música clásica del siglo XX.
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A partir de 2009, en México, ya contamos con la oportunidad de tener permanentemente el show, con talento mexicano.

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INTEGRANTES
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Federico Di Lorenzo Voz líder/productor
Marco Anthonio Cantante
Cecilia Cantú Cantante
Ricardo Díaz Cantante
Ana Cristina Arias Cantante
Jair Campos Cantante
Emilia Badaracco Cantante
David Pineda Piano y teclados
Julio Moran Batería
Uriel Natenzon Bajo
Mongoose (Eduardo Avila Costa) Guitarra
Diego Fainguersch Productor
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Estos son algunas de las canciones que se interpretan en el show:
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-BOHEMIAN RHAPSODY
-KILLER QUEEN
-SAVE ME
-DON’T STOP ME NOW
-LOVE OF MY LIFE
-SOMEBODY TO LOVE
-TOO MUCH LOVE WILL KILL YOU
-PLAY THE GAME
-FAT BOTTOM GIRLS
-BYCICLE RACE
-UNDER PRESSURE
-THE SHOW MUST GO ON
-WE WILL ROCK YOU
-WE ARE THE CHAMPIONS
-I WANT TO BREAK FREE
-CRAZY LITTLE THING CALLED LOVE
-ANOTHER ONE BITES THE DUST
-DEAR FRIENDS
-YOU TAKE MY BREATH AWAY
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http://youtu.be/CHxey8hJB5k

http://www.youtube.com/watch?v=C61QY2o2AAQ

http://www.youtube.com/watch?v=ZTwEDD7rMcQ

http://www.youtube.com/watch?v=9zAZJJZlq5o

http://www.youtube.com/watch?v=b2juAyOFxFY

http://www.youtube.com/watch?v=c4wWvrG8QQc

Los chiles en Nogada.

2011-08-18T14:37:00.000-07:00

Celebración al paladar a tres colores: Los chiles en Nogada.

Por: Alma Angelina C. Carbajal Guzmán.

Los chiles en nogada es uno de los platillos que gustan a mexicanos y

extranjeros; para los poblanos este mes es muy importante porque es la

temporada en que más se consumen tanto en casa como en el restaurante

siendo ya una tradición que se remonta a nuestra independencia.

La historia de los chiles en nogada es originaria de Puebla. Las monjas clarisas

del convento de Santa Mónica fueron las encargadas de crear este platillo

para celebrar el cumpleaños de Agustín de Iturbide quien paso a la ciudad

de Puebla rumbo a la Ciudad de México luego de haber firmado él y el último

virrey, Juan O'Donojú, los Tratados de Córdoba el 24 de agosto de ese año

con los que se dio fin a la Guerra de Independencia de México

Este manjar tiene el verde en el chile, el blanco en la salsa de nuez -lo cual

explica lo de "en nogada", por las nueces de Castilla-, y el rojo con los granos

de granada con que se adorna, representando los tres colores de la bandera,

hay quienes los prefieren relleno de queso, tradicionalmente va relleno de

un guisado de carne de res y puerco mezclado con fruta (plátano, manzana,

pera, durazno etc.) entre otros ingredientes, se combino el sabor dulce y

salado, contando también que, hasta el día de hoy se encuentran cincuenta

mezclas diferentes, además de que es un platillo muy solicitado en las

fiestas patrias. Internacionalmente es uno de los platillos en la gastronomía

mexicana que nos representa peculiarmente en todo el mundo.

Pero para que se agasajen este mes de Agosto les dejamos una lista de

restaurantes en el que los pueden encontrar y con la seguridad de que su

paladar quedara satisfecho, una vez más gracias a la cocina poblana.

Fonda de Santa Clara, La Guadalupana, Mi Ciudad, La Sacristía de la

Compañía, Fonda de Santa Teresita, Antigua Fonda de la Chinita Poblana, El

Mural de los Poblanos, La Conjura, Chalupas La Abuelita, El Ranchito.